TALLERES DE VERANO

Del Otro Lado - Fotos de la obra

Danza ULima presenta Del Otro Lado

“La vida está en otra parte”
Milán Kundera

Del otro lado me despierto y no me reconozco. Me quedo atrapado en el camino sin saber qué elegir. No hemos dormido juntos, no sé dónde están mis amigos ni a dónde se fue la última persona que quise tanto.
Nos miramos en el espejo y nos reconocemos en la mirada de los otros; la soledad nos invade, nos desespera, nos hace sentir vacíos y a la vez nos despierta, nos ayuda a recordar los sueños que tuvimos hace tiempo, las cosas que escribimos en alguna parte y perdimos de vista.

Caminamos hacia otras partes de nosotros mismos, envolviéndonos en un viaje fuera del tiempo que nos llevará por distintos momentos, etapas raras del amor, donde las emociones y las ausencias servirán más que nunca para encontrarnos y recuperar el valor de lo perdido, haciéndonos comprender que la vida no es más que una absurda y maravillosa realidad, un tren de emociones, de búsquedas y sueños que están del otro lado, ese lugar que solo nosotros conocemos, o creemos conocer.

DEL OTRO LADO
Dirección General: Carola Robles
mie. 22 de octubre a las 7:30p.m.
Auditorio Central de la U. de Lima
Ingreso libre
informes: 437 6767 anexo 30771

ULTIMA FUNCION: lunes 10 de noviembre a las 8 p.m.
Auditorio Central de la U. de Lima
Ingreso libre

FOTOS danza ULima

Created with Admarket's flickrSLiDR.

GUILLERMO CASTRILLON - Segunda parte

Por Christian Villegas

¿Como relacionas tu vida con las cosas que haces? ¿De donde sacas tu inspiración?

Escrito por una Gallina - Foto Luis Cisneros

Yo creo... o sea, el arte está en la vida. El arte es la vida. No es algo que se crea de la nada, no es algo mágico, no es algo que venden los dioses, el arte es la vida misma y está ahí, para mi está completamente ligada. Lo que hace uno como artista me imagino es reinterpretar la vida, ¿no? Porque te dedicas a eso, a diferencia de otras personas con oficios muy necesarios y vitales en la vida que no tienen tiempo para que uno se dedique a lo suyo, a lo que se dedica un artista es justamente a reinterpretar la vida para volverla a mostrar. Entonces el arte es una forma de vida. Todo tu cotidiano, todos tus días tras días, tienen que ver con eso: sentir el milagro de la vida, y las cosas buenas y malas que tiene, sentirlas. Con respecto a la danza me considero no un bailarín técnicamente muy dotado, nunca lo fui creo, pero sí un bailarín nato, me gusta bailar de todo y en todo rato. El movimiento acá en mi casa es una cosa que está muy conciente, como el lenguaje corporal, como el lenguaje cotidiano. Me imagino como un psicólogo que puede leer cada gesto de una persona e interpretarla. El cuerpo habla todo el rato, los gestos... porque también hay mucho inconsciente en eso. Uno puede leer mucho: la actitud corporal, los gestos corporales, cotidianos, para mi todo eso se convierte en un lenguaje que puede estar inmerso en el lenguaje de la danza. Es como que todo lo que pasa durante todo el día, todo todo, poniéndole un poco de sensibilidad y conciencia, te influye, tiene que ver con tu trabajo. Esta conversación, esos cojines, todo lo puedo relacionar. Por algo está y está pasando, hay que leerlo, atento a las casualidades, a las coincidencias... Entonces el arte es la vida, no hay manera de separarlos. No considero que sea un oficio el arte. O sea un oficio es lo que aprendes. Hay actores, bailarines, músicos, poetas, esos son oficios. Esas son cosas que aprendes y son oficios. Pero creo que el arte va más allá de eso: altruista totalmente.

¿Cómo te ves de aquí a diez años?

Ojalá que igualito. Joven y fuerte. Mi sueño, mi ideal, sería comenzar a escribir. Para lo cual tengo que comprar una laptop, lo que te permite hacerlo de manera más fácil. Entonces de acá diez años, que ya tendría 50, quisiera comenzar a escribir todo esto que lo tengo un caos en la cabeza, sistematizarlo. Ojalá sin mucha pretensión poder escribir un poco de teoría del arte, teoría de la creación artística en vivo. O sea todo esto que te hablo, todo lo que hablo en los ensayos, todo que lo tengo desordenado, poder escribirlo. Después me imagino que voy a seguir haciendo obras, o sea no voy a parar, y si algo bueno tiene la vejez es la sabiduría y hay que saber aprovecharla.

¿Estás trabajando ahorita en algún nuevo proyecto?

Sí, en setiembre es el festival 100% cuerpo en la Alianza Francesa, un festival durante cinco semanas donde le dan una semana a cada director. Comienzo a ensayar un proyecto nuevo, cuyo equipo tiene una base actoral, no quiere decir que vaya a usar el lenguaje actoral pero estoy trabajando con actores que se mueven mucho, o sea muy físicos, están Jaime Lema, Melania Urbina, Vanessa Oviedo, Mónica Silva, Sandra Bonomini y Samuel Dávalos. Y estoy tratando el tema de la sanación.


¿Sanación?

Sanación espiritual, psicológica, que en realidad no sería la sanación sino la búsqueda interna de tu yo para saber como está. Yo creo que muy poca gente se atreve a detectarse y a diagnosticarse que pueda estar enfermo. Y los pocos que se atreven a reconocerse enfermos son los pocos que se atreven a buscar una solución, una sanación, no? Creo que en estos tiempos modernos de libre mercado, modernidad, todo mundo ahora... cobras y te vuelves un administrador, todos tienen tarjeta de crédito, cinco a veces, ahora que es tan fácil, compran su televisorcito... Toda una prosperidad económica que está fomentando el tipo de política económica hace que se olvide el desarrollo espiritual, emocional, psicológico, lo cual conlleva creo a cada vez crear más depresión. Hace 20 años no se hablaba tanto de depresión, ahora la depresión es una enfermedad muy común en todos. Creo que eso causa esta modernidad entre comillas. Hay cada vez más enfermos del alma por decirlo así, pero muy pocos se atreven a reconocerse y a diagnosticarse. Creo que por ahí va, no? Porque estoy rodeado de gente cercana como yo que busca su sanación, busca, qué se yo, psicoanalista, chamanes, alimentación, mate de coca, entonces más o menos todo el equipo anda por ahí en esa conciencia.

Para mas informacion sobre Lato Sinistra, aqui un link a la entrevista de La Casa que Baila


¿Como ves a la danza en la escena cultural limeña? Te atreverías a dar un panorama?

Como la veo? Mmm. La veo... ojalá no ofenda a nadie ni quiero ofender ni creerme dueño de la verdad, pero muy pobre, no? Igual que el teatro. Muy poco riesgo, muy poco sello personal, muy repetitivo, es "la misma chola pero con diferente calzón", se repiten las cosas, no hay riesgos, innovación, no siento esa cuota personal del artista lo cual crearía una aproximación, una originalidad, un sello. En la danza, particularmente, todavía una preocupación, lo cual siempre está implícito, por la forma, la técnica, en ese sentido lo veo superficial, y encima con muy pocos bailarines que puedan llegar a un nivel exquisito a eso. No hay una búsqueda de una propia danza contemporánea, cultural, digamos, de esta zona. Ponen por allí a un indígena hermoso en mallitas violetas a tratar de alzar las piernas como un bailarín danés y se ve fuera de contexto y se ve mal. En vez de hacer cosas más terrestres, más pegadas a la tierra, más pegadas a sus tipos de danzas que vemos acá. No hacer lo mismo, pero, no sé, influenciarte del danzante de tijeras... Fuera de eso, a nivel de propuestas, muy pobre, lo cual creo que ha causado un ausentismo del público en la danza, se va mucha gente porque se aburre. Si la gente misma de la danza se aburre, los que están al alrededor van a verla una vez y dicen: me aburrió. Y nunca más van. Entonces ellos mismos tienen la culpa pues. Falta gente joven, gente nueva, que rompa, que mate a los maestros, sino están repitiendo... En el teatro es más claro también, los jóvenes directores talentosos están repitiendo a sus maestros, o sea son los viejos con cosas más modernas, multimedias tal vez, y obras interesantes pero es el mismo lenguaje y no están rompiendo.

Aparte de danza, ¿a que otra profesión te dedicarías?

A ser chef, que todavía a veces lo pienso, pero no queda tiempo. Y al surfing, pero ya no tengo edad para volverme un pro del surfing. Igual corro, ¿no? Cosa que aprendí por el arte también, a los 36 años, tarde, pero decidí hacerlo, y ahora, bueno, ya lo puedo hacer bien, lo hago casi todos los días. Creo que eso es algo que me enseñó el arte: a amar la vida, sentirte vivo, buscarte en estados y momentos y tiempos donde te sientes MUY vivo, muy vivo, y no tiene explicación lógica esa sensación... No creo en la reencarnación, entonces nada de que la próxima vida lo haré. Ahora o nunca. Ese ahora o nunca es también lo que el arte me enseñó. El arte me enseñó a amar la vida y no solo amarla sino cogerla y sentirla a un extremo. Creo que el arte es lo que hace que... que no me suicide pues.

EL ARTISTA DEL MES

Guillermo Castrillón
Primera Parte
Por Christian Villegas

¿Cómo así entraste al mundo de la danza, qué te llamó, cómo fueron tus inicios, cómo empezaste a formar parte de este mundo?

Cómo empecé... Yo estudiaba teatro en el Club de Teatro de Lima, lo cual no es una escuela muy rigurosa, pero siempre sentí la necesidad de moverme en el segundo año. Entonces, en el tercer año busqué un taller de expresión corporal, en Danza Lima me acuerdo, con Lucho Peñaherrera, y al final hicimos una pequeña muestra y a esa muestra fue José Enrique Mavila, quien me vio y me convocó para un concurso, en ese entonces el primer concurso de coreografía nacional, que fue en La Cabaña en el año 88, y en ese concurso se presentaron todos los grupos de danza de esa época que yo no tenía ni idea. Ese fue mi primer encuentro con el mundo de la danza, allí yo comencé a ver a las chicas que calentaban, se estiraban... paradójicamente ganamos el concurso empatando el primer lugar con Integro que cambió mi vida. Allí tuve mi primer encuentro con la danza de verdad. A los meses, José decide armar el grupo "Acero Inoxidable", al cual también me invita, y nos mete a clases de danza moderna y de ballet, y allí esa inclinación intuitiva que yo tenía por lo corporal, por moverme, por bailar, comenzó a formarse escénicamente. Ya desde ahí seguí solito, tomando clases por todos lados, es decir, como no hay escuela acá, tenía que darme mis propios horarios y tomaba seis horas de danza diarios por aquí y por allá.

¿De dónde nace Box? ¿Qué aspectos de tu vida te llevaron a Box? ¿Cómo llegaste a Box?

Ultimamente cuando hago mis trabajos busco que vengan de una necesidad personal y real, muy real a nivel interno, no busco pretextos externos o temas que parezcan simpáticos y que tengan algún interés intelectual por allí, busco una cosa mucho más personal, intuitiva. Entonces si bien hace cinco años, el tema "mira la comida", era algo vital, algo real en mi vida, porque yo cocino mucho, y de ahí mucha conciencia hacia lo que me administro como comida, creo que ahora mi tema es el mundo femenino. Toda mi vida he sido femino-dependiente, toda mi vida he recibido mucha influencia de parte del mundo femenino desde mi madre, hasta mis novias, amigas, que se yo, mi mundo, mi lado femenino, mi intuición, entonces, decidí pues agarrar el toro por las astas y decir: ese es mi tema, el mundo femenino con toda esa amplitud que me sirve de inspiración. Y cuando reuní a las chicas y me preguntaron cuál va a ser el tema, les dije: bueno, ustedes pues, no?, ustedes van a ser el tema, ustedes son cinco mujeres y me imagino que hablaremos del mundo femenino. Entonces yo considero que si bien no es el inicio, porque creo que con "Escrito por una gallina" con Jimena ya estaba abordando el tema femenino de manera no muy conciente, ahora sí es el inicio de una investigación de este mundo femenino, meterme, porqué me influencia tanto, porqué me tumba tanto, porqué tiene tanto poder sobre mi... Y en eso estoy, mas bien a seguir investigando con eso. Porque yo puedo pensar: bueno soy un heterosexual que siempre me han gustado las mujeres, hijo único de una madre, y ya pues, me gustan siempre las mujeres, pero creo que va mucho más allá, ¿no? Es mucho más complejo.

De hecho. ¿Y porqué escogiste a esas cinco bailarinas específicamente?

No sé. Por pura casualidad. En primer lugar yo estaba haciéndole luces a las Cuatro Costillas Flotantes, el grupo de Pachi, Carola, Cori y Karine. Entonces yo me había alejado un poco del mundo de la danza, me había un poco desilusionado, un poco no me atraía mucho, estaba más dedicado a la performance... y me convocaron para hacerles luces a estas chicas, y las vi bailar, y me pareció maravilloso, me recuperó el gusto, bailan exquisito y al verlas bailar me enamoré otra vez de la danza. Muy bacán, me enamoré como al inicio. Entonces les propuse trabajar. Yo quería volver a trabajar con danza, ellas querían trabajar un poco más con performance, acercarse más al público, tener un contacto más directo, tumbarse esa cuarta pared invisible del teatro y entonces nos acercamos y decidimos ya, la hacemos. Por ahí apareció Cristina Velarde, que estaba haciendo su montaje "Hacia el cielo errante", y también me pareció maravillosa como bailaba, entonces la invité al proyecto. Allí conocí también a Mónica Silva, que yo estaba haciendo luces a su montaje, y me puso las pilas para iniciar el proyecto, atreverme, porque siempre da un poco de miedo, hasta flojera porque es toda una aventura, meses, sin dinero, entonces es bien pesadito, un poco sacrificado, cuesta a veces decidirse iniciar, y ella me ayudó dándome el último empujoncito. Entonces eran seis: las Cuatro Costillas más dos invitadas, salió Karine por razones personales y quedaron cinco.

¿Que diferencias encuentras tú entre la danza y la performance a nivel de lo que quieres expresar?

Bueno la performance tiene sus propias características que lo diferencian del teatro tanto como de otras artes escénicas. En la danza suelen también agarrar elementos teatrales en el sentido de que también buscan interpretar historias o personajes, buscan representar a través de esta cuarta pared invisible del teatro. Hay una lejanía con el público, hay una introspección en ese sentido. Y bueno, usa principalmente el lenguaje de la danza para comunicarse, sea contemporánea, moderna. En la performance se trabaja en tiempo real, presente, de manera personal, tratas en primera persona, no estás representando ningún personaje, ligeramente conlleva a la autoría de tus propios temas, se tiene mucha conciencia del espacio, tiempo, la relación directa con el público, más íntimo, y un especial cuidado de lo que es el concepto, la idea, muy trabajada, muy estudiada, muy discutida, hablada, qué se yo. Estar. Entonces ya de por sí creo que eso crea la diferencia con otras artes.

Cuando empezaste a hacer Box, ¿tenías alguna especie de guión? ¿Cómo nacieron, las coreografías? ¿Empezaste el proceso de frente, propusiste una idea, dijiste acá va esto y acá hacemos lo otro?

No, no. Yo trabajo muy intuitivamente, muy intuitivamente, lo cual viene, me imagino, de mi escuela que ha sido Integro durante diez años, trabajando la intuición con las cosas... casualidad, mientras uno sea honesto consigo mismo, realmente honesto, sincero, y no hacer fintas, no tratar de impresionar o hacer más de lo que uno es. Obviamente hay todo un background, un bagaje de experiencias. Ya diez años dirigiendo, ya tienes el oficio, eso te permite desterrar todas las técnicas para crear y dedicarte solamente a la intuición y últimamente me entrego a ese caos, a ese inconsciente. El inconsciente habla solo y habla la verdad, mucho más que la conciencia, y hay que dejarlo salir, todo pasa por algo, entonces en Box... obviamente hay un plan y una estructura por otros lados como que digamos decidir empezar a ensayar individualmente con cada una durante un mes, entonces me tenía que subdividir en 80 ensayos a la semana, tenía 3 o 4 días con cada una, entonces ensayamos acá en la sala, una a una, una cosa íntima, e imagino que eso después fue dándole forma al asunto íntimo, personal, porque eran ellas improvisando y contándome su vida y sus cosas que en realidad inclusive empezó primero con entrevistas, cada una, personales, donde me contaron toda su vida, desde niñas hasta la actualidad, acá en la sala, después los ensayos, y después ya al segundo mes recién las junté, y en esa combinación de actos, ya sin proponerlo, comienzan las casualidades, a armarse las cosas solas, en realidad se arman solas, no me gusta preconcebir, no me gusta imaginar, me considero super creativo, pero trato de no usarlo. Me parece, en mi caso, si es creativo es muy fácil, entonces más difícil es confiar de que las cosas se dan solas, o que vengan de otro lado, o que aparecen, que vas a tener que saber reconocerlas o interpretarlas pero no proponerlas directamente. Ya hacia el final obviamente, en las últimas dos semanas, recién comienzas a estructurar, lo cual hace que pongas muy nerviosas a las bailarinas, perdidas, no? Que va a pasar? Pero hay que confiar. En esa espera, y en esa confianza obviamente, te pones también nervioso, nunca sabes que va a salir y si va a salir bien o no. Pero hay que confiar. Hay que confiar en que tú has sido honesto, que las chicas han sido honestas, y que tenemos un oficio atrás que nos va a respaldar y va a salir algo bueno. Esa honestidad después obviamente la filtras, la contextualizas, y lo que era un proceso se convierte en una obra de arte. Es como la teoría del caos, o sea, tiene sentido, el todo se da por algo, las fuerzas acertoras, detractoras… Todo pasa por algo. Es como reunirme con los bailarines sin ningún plan de ensayo, solo reunidos en un espacio mirándonos las caras y diciéndonos: bueno, y, que pasa? Algo va a pasar. De todas maneras va a pasar algo pues estamos vivos. El tiempo no para, el reloj transcurre los segundos y no para, y es la vida. Entonces algo va a pasar.

Me has dejado pensando. ¿Las cajas tienen que ver con este lado inconsciente? ¿Qué significaban, qué representaban para ti las cajas? ¿Y por qué tienen espejos?

Bueno, en un momento apareció la frase de cuando una mujer se abre, en parte de esa investigación femenina. Entonces para mi, un ejercicio para desarrollar mi investigación era cuándo una mujer se abre. Y después obviamente saltó la pregunta de porqué yo quiero abrirlas. En ese interín de preguntas de abrir, apareció una caja. Una caja es cerrada pero también se abre. Entonces se me ocurrió que trabajen con ese único elemento: las cajas. Porque esa era la metáfora, que ellas eran una cajitas negras, oscuras, incógnitas, misteriosas... Al decir negras no quiere decir negativo pero sí oscuridad, misteriosa y casi infinito, profundo. Entonces yo las visualizaba como unas cajitas. Después también coincidió que yo regresaba a un escenario después de cuatro o cinco años, porque había rechazado el escenario mucho tiempo, lo había negado como espacio convencional, estaba pensando más en espacios alternativos. Y el teatro, el escenario, es una caja negra también. Entonces por ahí se empezaron a atar los cabos, como te digo, casualmente, entonces regresa uno al escenario y dije: es una caja negra. Entonces le puse las telas negras, el piso negro, tal cual convencional, y las cajitas negras, y dije: bueno, por ahí va a haber un minimalismo, ¿no? Porque no hay mucha escenografía, todo es negro, muy simple, muy austero, poco emocional. Todo el resto del espacio, de elementos, es simplemente minimalista, justamente como para resaltar a ellas, en contrapunto a esta simpleza y austeridad. Entonces esa era la metáfora de las cajas: abrirlas y cerrarlas. Ellas, su mundo, ellas. Y en un momento saltó el tema de que es una confrontación con ellas mismas, una búsqueda, una investigación personal de ellas. Entonces, era el verse, no? Yo necesitaba que ellas se vieran en esa caja negra, oscura, profunda, necesitaba que ellas se vieran personal, directa e individualmente. Entonces le puse un espejo, y allí salió. Y los espejos me regalaron rayos y luces y reflejos, y entonces ya todo es casual y bienvenido.

¿Que respuestas del público? ¿Crees que Box tuvo una buena acogida? ¿Cómo sentías el momento en que veías tu obra?

Bueno, la palabra triunfo no existe y a mi me aterra. Me parece espantoso decir "triunfamos", bueno, "un éxito", la palabra éxito mejor dicho, me confundí, pero bueno, va por ahí, no me gusta usar mucho esa palabra. Podría decir que causó un impacto más allá de lo que yo esperaba. Lo que pasa es que yo como director, mi espacio, mi tiempo de placer como público, son los ensayos. En los ensayos es donde yo disfruto, me conmuevo, me emociono, recibo de ellas. Cuando se estrena, creo que es el tiempo de ellas, nada más, y yo estoy allá arriba en la cabina haciendo luces, y estoy super lejos, con todas las nucas del público delante de mí, y ya no siento mucho, como que no la puedo disfrutar mucho. A ese nivel ya no se si está bien o está mal la obra, que tanto impacto está creando, estoy muy lejos, pero bueno, con el convencimiento que yo ya sabía que eso iba a pasar porque en el proceso, como te digo, yo lo sentía. Es como que en los ensayos ellas se abrían, me hablaban cosas y a mi me conmovía su sinceridad, su necesidad era tan potente que yo decía: esto es suficiente, suficiente para convertirlo en una obra de arte, suficiente también para que el público se conmueva, yo quisiera que el público vea lo mismo que estoy viendo ahorita. Y allí me encargo de atravesar el proceso, filtrarlo, para que el público lo vea, ponerlo en un contexto, darle una estética, para que el público también vea lo que he estado viendo todos estos meses de ensayos. Ahí creo que hay un logro. Ya en la temporada, en las funciones, estoy un poco más alejado. Pero el impacto que causó me sorprende un montón. No esperaba que fuera tanta gente. Aparte no solo el público de danza, que generalmente no te llena una temporada, y sin embargo toda la temporada se llenó, todas las funciones estuvieron llenas y sobreexcedentes. Entonces convocó a otro público: público del teatro, público del cine, público x, público cotidiano, gente de todos lados empezó a aparecer. Muchos comentarios positivos hasta ahora, llamándome, escribiéndome, entrevistándome, gente muy conmovida hasta las lágrimas, eso me sorprende, pero me imagino que debe haber gente que no le haya gustado también pero que no aparece, debe haber, no mucho tampoco, porque se sentiría, pero por ahí debe haber público que no le gusta, o que no lo entendió, o que no le tocó, no se, depende de la posición como lo vea, susceptibilidad, etc., pero eso no aparece, no me lo dicen, lo cual me gustaría porque podría ser algo constructivo, no? como crítica, análisis, no se. Pero sí, causó un impacto enorme.



¿Te animarías a montarla de nuevo?

Hay esa intención. Pero parte de las chicas del grupo tienen otros compromisos. Ese es el problema de trabajar con chicas tan talentosas y ya profesionales. Tan con otras temporadas ya comprometidas de antemano, entonces ha sido casi imposible. Queremos reponerla, ellas también están muy felices, con esta respuesta del público se han sorprendido, y están con ganas de reponerla, pero no hay tiempo y tampoco hay mucho espacio porque los teatros están ya copados todo el año. Entonces lo único que me queda es colarme en la temporada de alguien. Igual creo que funcionaría.

DANZA NUEVA 2008

Por Aymé Jara
(fotografías de Diego Gargurevich y Luís Cisneros)

Ballet de Londrina

Durante 6 semanas hemos podido disfrutar de Danza Nueva: XX Festival Internacional de Lima, cuyo lema fue 20 años celebrando el arte del movimiento, organizado por el Instituto Cultural Peruano Norteamericano (ICPNA). En la edición de este año participaron 6 compañías que nos deleitaron con coreografías y obras originales. El espectáculo fue muy bueno y las clases maestras muy interesantes. Los niveles técnicos y artísticos de cada una de las compañías fueron muy altos y colmaron nuestras expectativas.

La Manga, Video y Danza

LOS PARTICIPANTES

Juilliard Dance - USA
Seis integrantes de la Compañía, en esta ocasión acompañados por el maestro Alphonse Poulin, participaron con coreografías frescas, dinámicas, juveniles y originales. Todas las coreografías presentadas se encuentran dentro del formato de la danza contemporánea y fueron muy bien recibidas por el público que no se cansó de aplaudir en todas las presentaciones y que agotaron las entradas con mucha anticipación. Podemos llegar a reconocer en Juilliard Dance a talentosos profesionales de la danza que saben llegar y mantener una conexión con el público. Collin, Adam, Carolyn, Chanel, Nigel y Brett compartieron con nosotros obras creadas e interpretadas por ellos mismos y por coreógrafos reconocidos. La variedad de las piezas presentadas y la destreza de los bailarines es lo que resaltamos de la compañía.
Aqui un video del trabajo de los bailarines en Tanzania:

Mark foehringer dance Project/SF - USA
Ballet Nacional - PERÚ
En la segunda semana del festival, pudimos apreciar la obra de Mark Foehringer. Su obra la podemos ubicar dentro del formato clásico. La participación de los integrantes del Ballet Nacional fue acertada y acorde al nivel de los bailarines de San Francisco. Lo más impresionante de esta compañía fue la sincronía y el trabajo coreográfico que se nota desde el principio hasta el fin.


Compañía de Danza de la Universidad de Costa Rica – COSTA RICA
El Réquiem de Mozart fue llevado a la danza contemporánea. La versión completa de la obra está preparada para ser interpretada en un gran escenario con música y coros en vivo. En esta ocasión – y para el festival – la compañía contó con una pista musical, que sirvió de guía a los bailarines. El vestuario estaba inspirado en la época antigua pero con toques modernos adaptados a la danza. El nivel de los bailarines era muy parejo y la interpretación fue bastante sólida.


Ballet de Londrina - BRASIL


La obra presentada fue Decalque, una representación inusual en varios aspectos de Romeo y Julieta (obra de Shakespeare llevada a la danza en varias oportunidades por numerosas compañías de ballet clásico). La obra mantuvo la música clásica del ballet, sin embargo la propuesta coreográfica estuvo ubicada dentro de la danza contemporánea. Nos sorprendió la gran destreza acrobática y resistencia física de los bailarines en escena, la originalidad de la propuesta presentada, y el predominio del uso de los niveles medio y bajo. La obra duró un poco más de una hora, sin embargo el tiempo que les tomó armarla fue de aproximadamente 5 años. Con un vestuario y un estilo minimalista y sobrio, lograron que el centro de atención sea el movimiento, que por momentos resultó muy emocionante y expresivo.


La Manga, Video y Danza - MEXICO
Una propuesta distinta que emplea la tecnología como complemento y quizás como protagonista – junto con la danza – en una obra bastante singular y fuera de lo común. Los bailarines, maestros y equipo de la Compañía nos contaron que se trata de la presentación de la tercera parte del desarrollo del tema de Violencia y Belleza y que la obra presentada se centra más en lo que es belleza. Algo que nos llama la atención es la inspiración que tuvieron en el flamingo y como profundizaron su investigación para lograr un resultado parametrado y dinámico que conjuga originalidad y técnica.

El Colegio del Cuerpo - COLOMBIA
En la semana final del festival se presentó el Colegio del Cuerpo. Cuatro de los bailarines de la Compañía, acompañados del maestro Alvaro Restrepo y su equipo técnico, presentaron coreografías propias. De ellas podemos resaltar la fuerza y definición del movimiento, así como las características inherentes de cada bailarín – que dicho sea de paso ya llevan alrededor de 10 años de formación en danza.




LAS CLASES MAESTRAS
“Cada maestro siempre nos deja algo” fue la frase con la que Alvaro Restrepo (Colegio del Cuerpo) se refirió al hablar sobre las clases y la relación alumno-maestro. Los integrantes de danzaulima que asistimos a las clases maestras podemos dar testimonio de ello. Las clases maestras fueron muy enriquecedoras e interesantes porque nos permitieron vivir un intercambio cultural a través de la danza.




Finalmente, agradecemos al ICPNA por generar este espacio que año a año aporta muchísimo a la danza local y que permite la participación y disfrute de espectáculos internacionales.