Danza ULima

talleres de verano 2012

2012-01-22T21:58:00.001-08:00

DANZA ULIMA PRESENTA

2011-08-23T12:24:00.001-07:00

El Taller de Danza Contemporánea de la Universidad de Lima presentará, los días 9 y 10 de setiembre a las 20.00 horas en el Auditorio ZUM de la universidad, EGO, espectáculo dirigido por la reconocida bailarina Carola Robles.

A partir de propuestas individuales del elenco, la obra nos lleva por una serie de cuadros coreograficos en donde se afirma el YO. El ser humano busca relacionarse y concretar vinculos, sin embargo la naturaleza misma del ego es el aislamiento. He ahí el conflicto de nuestra existencia.

Como dice Lao Tse “En el ser centramos nuestro interés, pero del no ser depende la utilidad”.

DANZA ULIMA

Dirección: Carola Robles

Bailan:

David Vogel, Ursula Cazorla, Alfredo Flores, Diego Gargurevich, Sergio Gjurinovic, Renzo Hartog, Claudia Muñoz, Gaby Olivera, Mayra Ortega, Rosa Ruiz, Jessica Wong.

Fotos por Veronica Cerna

FECHA: viernes 9 y sábado 10 de setiembre

LUGAR: Auditorio ZUM de la Universidad de Lima. Av. Javier Prado Este. Cuadra 46. Monterrico.

HORA: 20.00 p.m.

INGRESO LIBRE.

(puerta Manuel Olguin, presentar DNI)

ESPACIO ABIERTO - creadores de danza y movimiento en una función por el día mundial de la danza

2011-04-03T23:33:00.002-07:00

El próximo 15 de abril, la Universidad de Lima y Taller de Danza Contemporánea se unen a las celebraciones por el “Día Internacional de la Danza” instituido hace 26 años (1982) por el Comité de Danza del Instituto del Teatro de la Unesco (ITI-UNESCO).

Espacio Abierto es una función que convoca a mas de 60 bailarines, coreografos y directores en donde cada uno comparte sus nuevas creaciones o trabajos en proceso dentro del género de la danza contemporánea.

INGRESO LIBRE
viernes 15 de abril de 7:30pm (hora exacta) hasta las 9:30pm
lugar: auditorio central de la U. de Lima
(entrada por Manuel Olguin, IMPORTANTE presentar DNI en la puerta)

En esta ocasión participan:
Anai Mujica, Augusto Montero, Pachi Valle-Riestra, Silvia Acosta, Paola Alcántara, Samantha Alegría, Paulo Flores, Gabriela Gallardo, Coralí Lecca, Gilda Merino, Valeria Rueda, Janet Silva, Hannah Scranton, Juan José Yon, Juan Salas, Renzo Zavaleta, Cecilia de la Puente, Diego Gargurevich, Gabriela Olivera, Ursula Cazorla, Mayra Ortega, Katy Rodríguez, Renzo Hartog, Carola Robles,
Renzo Bernal, Henry Escudero, Miriam Sernaqué, Priscila Tang, Juan Carlos Ruiz, Silvia Agreda, Jorge Dongo, Olivia Vallejos, Lucia Bacigalupo, Juan Salas, José Aviles, Amelia Uzategui, Mónica Vergara, Javier Ponte, Rodrigo Castillo, Patricia Awuapara, Alain Prada, Nora Soriano, Quique Gamboa, Ursula Casapía, Vannia Ibarguen, Mario Ballón, Fernando Castro, Fito Valles, Juan José Yon, Paulo Flores, Jose Aviles, Renzo Zavaleta, Raul Sanchez, Ares Escudero, Gabriel Palacios, Lorna Ortiz, Christian Olivares y Cristina Velarde

TALLERES DE VERANO 2011

2011-01-18T19:52:00.000-08:00

fotos: Marlene Dapozzo Moali y Paul Mayca

"La danza es el único arte en el que nosotros mismos somos el material del que el arte está hecho."

T. Shaw

Aprovecha el verano para empezar, retomar o continuar bailando!!

Los esperamos!

INICIAL:

INTRODUCCION A LA DANZA Lun y mié de 10:00a.m. a 12:00p.m. (Prof. Carola Robles)/ mar y jue de 10 a 12pm (prof. Luis Valdivia) Primer acercamiento a la danza contemporánea, dirigida a aquellos que quieran bailar de una manera creativa y saludable. A partir de pequeñas frases de movimiento, se trabaja en la respiración conciente, coordinación, flexibilidad, postura y tonificación muscular a la vez que se proponen formas básicas de expresión corporal.

BASES CLASICAS PARA LA DANZA (Prof. Luis Valdivia) Lunes, miércoles y viernes de 3:00p.m. a 5:00p.m. Principios de la técnica clásica dirigida a estudiantes de danza contemporánea.

DANZA Y COMPOSICION COREOGRAFICA (Prof. Luis Valdivia) Lunes, miércoles y viernes de 5:00p.m. a 7:00p.m. Clase orientada a que el alumno proponga ideas, movimientos y música para experimentar los componentes básicos de una composición coreográfica.

CONTACT - IMPROVISACION (Prof. Carola Robles) lunes de 12:00p.m. a 2:00p.m. Esta clase desarrolla ejercicios específicos del contact y también de la improvisación como medio de construcción escénica – coreográfica. Se busca explorar la fiscalidad de la comunicación (o la comunicación sensorial) e integrar habilidades para una mejor comprensión de los principios básicos de la gravedad, el centro del cuerpo, la dinámica y el sentido del espacio-tiempo escénico.

INTERMEDIO:

TECNICA DE DANZA CONTEMPORANEA (Prof. Carola Robles) Martes y jueves de 3:00p.m. a 5:00p.m. Se busca sensibilizar y potenciar el cuerpo para que el alumno baile, cree y comunique en escena. La clase se apoya en la técnica de Piso y el Release para manejar el centro de gravedad y profundizar en la percepción de los sistemas corporales como recurso expresivo. La clase se orienta a lo que se que conoce como Nueva Danza: recurre al movimiento no codificado, utiliza el movimiento cotidiano, considera la palabra y el gesto como recurso coreográfico, explora el movimiento propio y considera la presentación en espacios no convencionales. Dirigido a estudiantes de danza contemporánea. Se requiere previa experiencia.

SALA DE DANZA: mezzanine del Parque del Este

informes e inscripciones: - Bienestar Universitario - mezzanine del Parque del Este
Telf. 437 6767 anexo 30771
correo: danzaulima@gmail.com

eL ExTRAñO LUGaR aL inTeRIor De mi REfleJO

2010-10-31T11:14:00.000-07:00

"Fred huye de sus preocupaciones hacia un lugar desconocido. Pronto descubrirá que ha caído al interior de su propio reflejo, en donde una serie de seres extraños no le darán descanso hasta que.. "

El extraño lugar al interior de mi reflejo, bajo la direccion de Carola Robles, es el nuevo montaje del taller de danza contemporánea de la U. de Lima. Es un espectaculo inspirado en grandes cuentos como El Principito y Alicia en el Pais de las Maravillas, dirigido a jovenes y adultos.

BAILAN:

Diego Gargurevich, Jessica Wong, Gabriela Olivera, Renzo Hartog, Mayra Ortega, Ursula Cazorla, Katy Rodriguez, Jorge Pecho y Alfredo Flores.

UNICAS FUNCIONES:

viernes 12 y sabado 13 de noviembre

8 p.m.

auditorio central de la U. de Lima

I N G R E S O L I B R E

evento facebook:

http://www.facebook.com/profile.php?id=537484738#!/event.php?eid=156726867698329

FICHA TECNICA:

Creación y Dirección: Carola Robles

Asist. Dirección y Producción eject.: Diego Gargurevich

Asist. Producción: Jely Reategui

Diseño de Luces: Andrea Gianella

Arreglos y Edición musical: Ricardo Noriega

Ilustración: Javier Barrionuevo

Dirección de Arte: Diego Aargurevich

Confección de Vestuario: Lucy Grandez

Operador de Luces: Alfredo Prado

Operador de Sonido: Cesar Aponte

Publicidad y Prensa: IMAGEN - universidad de lima

Bienestar Universitario: Dr. Fernando Magill

Actividades Artísticas: Rosa Coucillas y Laura Mendez

HACIA EL ORIGEN - Hervé y Valérie en el Festival de Danza Independiente 100% Cuerpo

2010-10-01T14:23:00.000-07:00

por Christian Villegas

El 23 de setiembre pasado se inició el Festival 100% cuerpo en su IV edición, una iniciativa de Komilfó Teatro con el auspicio de la Alianza Francesa de Lima y el Centro Cultural de España.

Para abrir el festival, nos acompañaron Hervé Diasnas y Valérie Lamielle, bailarines y pedagogos franceses, quienes se presentaron del 23 al 27 de setiembre, cada uno con dos piezas de su propia autoría:

K como... (Hervé Diasnas)

Hervé está sentado en una silla frente a la cual hay una silla sobre la cual reposan varias hojas de papel. Hay una persona que debería estar sentada en esa silla y no está. De la ausencia de ese cuerpo solo nos quedan una serie de cartas que el hombre lee e intenta responder. Hervé juega con la energía de estas hojas atraídas por la fuerza de gravedad. Cada hoja puede ser un intento de comunicación entre los seres humanos. Cada hoja puede ser echada al olvido, como esas cartas que se escribían las personas durante la guerra, mucho antes del internet. Los papeles terminan regados por el piso con una sensación de incomunicación mientras Hervé coge una de las hojas para cubrirse el rostro y expresar a través del papel lo que sucede en su alma. Quizás no hay nadie ausente, quizás solo son ganas de comunicarse con esa parte de nosotros que nos hace más humanos.

Petrouchka (Valérie Lamielle)

Bajo la piel de cera, la muñeca, teñida de rojo, se despierta descubriendo un mundo para el cual no parece estar hecha. La muñeca muta su cuerpo en un intento por adaptarse y en un momento puede ser un insecto o un ave de patas largas que camina sobre el agua. Su rostro siempre es el mismo, solo su mirada cambia para mostrarnos con su cuerpo su historia. Es un animal en extinción, una especie desconocida que siempre nos mira. Pienso que quizás es alguna parte de nosotros, sino no nos afectaría.

El primer silencio (Hervé Diasnas)

Horizontal. La exploración de los caminos olvidados. Fuimos reptiles antes de levantarnos. Nos levantamos con la promesa del vuelo. Aún caminamos buscando nuestras alas.

L des marais (Valérie Lamielle)

L es una criatura que no sabemos si es sepia, calamar o medusa. Los cabellos de Valérie dan la apariencia de una anémona o una hidra que se transforma según las circunstancias. El trabajo de su espalda para darle vida a este animal es impresionante. La criatura nos cuenta su vida sobre la tierra desde que nace hasta que se pone el sol. Finalmente desaparece tragada por la oscuridad de la noche. Sabemos sin embargo que está allí, en el fondo, como el guardián de las sombras.

Además ellos presentaron una pieza adicional nacida del Taller de Iniciación al Vuelo Danzado realizado aquí en Lima, como parte del intercambio cultural Perú–Francia–2010/2012, titulada "Vuelo Perú", donde a partir de una marcha deslizada en suspensión, contemplamos un cardumen de peces impulsándose unos a otros a través del espacio, con un gran trabajo del silencio, la conciencia de la energía tanto en los desplazamientos como en la contención de cada momento.

Aprovechando una pausa en su intensa jornada, Hervé y Valérie nos respondieron algunas preguntas:

¿Qué representa para ustedes el cuerpo dentro de su trabajo, que los motiva a trabajar con él?

Hervé: El cuerpo es el instrumento de la danza y como todo instrumento, si este no esta afinado, su música sería difícil de escuchar, no sonaría bien o no sería verdadera. Imaginemos a Chopin sentado en un piano que no está afinado, podemos pensar que Chopin no está bien y no es Chopin el que no está bien sino es el piano que está desafinado.

Valérie: De alguna forma puedo decir que el cuerpo es lo que yo habito y está ligado a una forma de decir. El cuerpo entonces sería la herramienta para transmitir una idea, una poesía, algo que te motiva el espíritu, como para un pintor lo es la pintura, el caballete, el lienzo: son las herramientas para transmitir. El cuerpo es una herramienta de comunicación, es algo personal, lo que yo pienso es que podemos decir mas con el cuerpo que con las palabras.

¿En que se basaron para construir sus coreografías? ¿Parten de una imagen, una idea o alguna sensación?

Valérie: Para mi no hay una idea desde el inicio. Es una necesidad, algo que te empuja internamente, que realizo con el cuerpo.

Una de las cosas que más me gustó es como con pequeños elementos llegaban a crear miles de sensaciones. Incluso hay una referencia al mundo marino, a la evolución del ser humano desde que es un pez y una sensación musical en los movimientos que recuerdan los documentales de Jacques Cousteau.

Hervé: Eso es algo que me causa mucho placer escuchar y es justo lo que estábamos hablando con Jaime, porque nuestra presencia en el Perú y nuestra colaboración con 100% cuerpo es un signo de lo esencial, solo de lo esencial. Esto quiere decir que podemos bailar sin muchos elementos técnicos. Si no tengo escenografía y no tengo video, yo puedo bailar solo con la danza.

Esto quiere decir que…

Hervé: Puedo ser pobre en el más amplio sentido de la palabra en cuanto a elementos y rico en lo que yo doy. Porque también puedo decir que es muy fácil revestir un espectáculo, y es tan sorprendente que llega. Entonces el efecto de sorprender a alguien con algo muy espectacular no es muy complicado, lo que es complicado para un espectáculo de danza es cuando queda la danza. Eso sería un principio: el principio de Hervé y Valérie.

Valérie: Pienso que el no intentar sorprender al espectador con muchas cosas técnicas es una forma de desnudar el mundo y desvestir la creación para el baile. Esto exige un trabajo de escoger, de decisión, donde es importante lo que quieres decir y cada cosa que forma parte del espectáculo se convierte en lo esencial.

Hervé: Finalmente, lo esencial, lo que queda, es tu esencia, es tu danza.

Agradecemos a Jaime Lema, Director del Festival,

por hacer de traductor durante la entrevista.

DANZA ULIMA EN EL COLEGIO VILLA MARIA

2010-06-21T21:50:00.000-07:00

El pasado 16 y 17 de junio, el colegio Villa María - La Planicie organizó la Feria de Comunicación 2010, evento que se realiza cada 2 años como parte de las actividades culturales que se ofrecen a sus alumnas. En el marco de este encuentro, el taller de danza contemporánea de la U. de Lima presentó algunas de sus mas recientes coreografías.

Foto: Paul Mayca

Clase Maestra con Pachi Valle-Riestra

2010-06-14T17:27:00.000-07:00

El pasado martes 8 de junio recibimos a la reconocida bailarina, coreógrafa y maestra Pachi Valle-Riestra, quien compartió su experiencia y aproximación a la danza en una clase maestra seguida de un conversatorio con los alumnos del taller.

Foto: Marlene Dapozzo Moali

ESPACIO ABIERTO 2010

2010-04-12T12:59:00.000-07:00

El próximo 28 de abril, la Universidad de Lima y Taller de Danza Contemporánea se unen a las celebraciones por el “Día Internacional de la Danza” instituido hace 26 años (1982) por el Comité de Danza del Instituto del Teatro de la Unesco (ITI-UNESCO). Esta fecha es conmemorada en todo el mundo mostrando las diversas expresiones dancísticas existentes. Cada año una personalidad conocida del mundo de la danza escribe un mensaje que será leído en todo el mundo, y en esta ocasión el elegido ha sido el argentino Julio Bocca:

“La Danza es disciplina, es trabajo, es enseñanza, es comunicación. Con ella nos ahorramos palabras que tal vez otras personas no entenderían y, en cambio, establecemos un idioma universal que nos es familiar a todos. Nos da placer, nos hace libres y nos consuela de la imposibilidad que tenemos los humanos de volar como los pájaros, acercándonos un poco al cielo, a lo sagrado, a lo infinito. Es un arte sublime, diferente cada vez, que se parece tanto a hacer el amor que al finalizar cada representación nos deja el corazón latiendo muy fuerte y esperando con ilusión la próxima vez.”

La Universidad de Lima propone este espacio para que coreógrafos y bailarines compartan sus nuevas creaciones y/o trabajos en proceso dentro del género de la danza contemporánea, esperando que este encuentro con el público, favorezca el desarrollo de las piezas artísticas.

En esta ocasión, contamos con creaciones de :
Lucía Bacigalupo, Fay Castillo, Inés Coronado, Cori Cruz, Samuél Dávalos, Vannia Ibarguen, Simone Mello, Carola Robles, Juan Carlos Ruiz, Christian Olivares, Mayra Valcárcel, Olivia Vallejos, César Yesquén, Mónica Vergara, Augusto Montero, Bruno Silva, Patricia Awuapara.

MIERCOLES 28 DE ABRIL

7:30PM

AUDITORIO CENTRAL DE LA U. DE LIMA

INGRESO LIBRE (puerta Manuel Olguin, presentar DNI)

MUESTRA DE TALLERES DE VERANO 2010 - FOTOS

2010-04-02T13:53:00.000-07:00

Fotos: IMAGEN - U. de Lima

MUESTRA DE TALLERES DE VERANO 2010

2010-02-24T13:26:00.000-08:00

Como cierre de cursos de verano 2010, queremos compartir con ustedes parte de nuestro trabajo realizado en clase. Además aprovechamos la oportunidad para invitarlos a conocer nuestro nuevo salón de danza.

La cita es este jueves 11 de marzo a las 4pm en la nueva sala de danza, ubicada en la mezzanine del Parque del Este (debajo del nuevo parque, por el nuevo pabellon R)

LOS ESPERAMOS

Mónica Silva - segunda parte

2009-11-30T16:00:00.000-08:00

Foto: Guillermo Figueroa

Por Christian Villegas

De las disciplinas que has explorado, ¿con cual te sientes más cómoda expresando?

Lo que pasa es que... mi política es no dividirlas. Es que yo me peleo mucho con como se usan los términos. Para empezar yo soy la primera que le critica a Guillermo el que use lo que hace como performance. Para mi lo que hace Guillermo no es performance. Es danza contemporánea.

¿Qué es la performance para ti?

Para mi, pegándome a la letra: la performance surge de las artes plásticas, tiene ciertas reglas, no es en el teatro la performance, demanda que la pieza que presenta se culmina con la intervención activa del público... La performance usualmente tiene que ver con una acción política, no de política de acción, puede ser política del individuo, es un discurso, es un statement respecto al individuo, a la sociedad. No es el entretenimiento, no es esta cosa que se pone en un teatro y que puedo definirla como danza o teatro, la performance no se puede definir. Cuando empiezas a encasillarla ya dejó de ser performance.

Entonces el hecho que Guillermo haga trabajos en donde trabaja con improvisación de palabra, eso es: palabra y movimiento. Es danza contemporánea en donde usa el lenguaje del movimiento y la improvisación, sumado a la palabra, nada más.

¿Dirías entonces que es Danza-Teatro?

No es danza-teatro porque no estoy haciendo creación de personajes. Yo creo que para hablar de teatro tú tienes que hablar de la creación de personajes y allí no se están creando personajes.

Entonces lo que hace Guillermo puede tener ciertos rasgos de la performance como puede ser el que sea improvisado, el que hables en primera persona, el que sea la persona la que se presenta ante el público, pero está dentro de otro contexto, está dentro de un contexto escénico. Y yo creo que es distinto al contexto de la performance, o sea tiene otro objetivo la performance, no la escena en sí.

La performance surge cuando las galerías se empiezan a convertir en centros muertos, entonces como dan vida a la plástica que está muerta. Ese es un camino. Otro camino de la performance es el butoh. El butoh se inicia con performance que son protestas estudiantiles dentro de la segunda guerra mundial en donde hacen intervenciones con EL CUERPO hacia los estudiantes. Entonces hay una carga de activismo dentro de la performance. ¿No? Es mi opinión y hay mucho más que leer, yo siento que soy una ignorante en el tema porque he leído poquitísimo pero hay mucho, mucho que leer. Entonces por eso me gusta decir: es un arte contemporáneo.

Yo creo que el arte contemporáneo lo que hace es hacer una fusión de distintos artes. No lo defines por disciplina. Lo que define un arte contemporáneo es el concepto que estás trabajando, entonces yo uso todos mis recursos. De ahí el riesgo de ser efectista. Por eso las piezas no funcionan, porque son efectistas. Como todo vale y ya no hay el rigor de una forma determinada, una estética determinada que te lo puede plantear lo clásico o lo moderno en donde tengo a Martha Graham y a Isadora Duncan, que se quitan las zapatillas de ballet y que empiezan a plantear distintas formas de movimiento y es: yo hablo de su movimiento y yo reformulo el movimiento: esta es la forma que estoy planteando.

En la danza contemporánea no estas reformulando el movimiento moderno. Lo que está haciendo la danza contemporánea es olvidarse de las formas y hablar de conceptos. Entonces el movimiento es una herramienta para hablar de este concepto y al ser una herramienta más puedo coger otras herramientas como la palabra.

¿Para ti la palabra es un recurso exclusivo del teatro?

No. Para mi lo que define al teatro es la acción, cuando tú tienes una acción. Eso es lo que más define al teatro. Mas que el guión, es cuando creas un personaje que tiene una acción determinada en la escena con un objetivo: vas a un lugar. Y a eso se le añade la palabra, el movimiento, el desplazamiento, el espacio, el tiempo. Pero lo que define es esta persona que está accionando algo.

Sin importar la historia que cuenta...

Sin importar la historia que tiene, por eso tienes un teatro más contemporáneo que es mas simbólico. El lenguaje contemporáneo es mucho más simbólico. Lo que pasa acá es que hay teatro y el teatro es sumamente tradicional, entonces todos te cuentan el cuento. En el cine ya la cosa ya se despegó. Bueno, en el cine tienes otros recursos que no te los da el arte escénico que es en vivo. En el cine puedes manipular otras cosas, digamos que si realmente te interesa trabajar de manera conceptual puedes manipular mucho más la cantidad de significados que generas. Puedes ser mucho más múltiple. Entonces, en un teatro tradicional yo presento a un personaje y estoy siguiendo la historia de este personaje, en cambio en un teatro mas conceptual yo en ves de contar la historia de Pedro de los palotes puedo agarrar y contar la historia de la soledad y como yo simbolizo la soledad y el personaje termina siendo secundario al tema en sí que es la soledad. Pero para que yo pueda abstraer y quitarle el protagonismo al personaje que la representa, tengo que tener un trabajo conceptual, más simbólico, en donde me pongan símbolos que me despeguen de eso. Que es lo que tiene de beneficioso el movimiento y es que de por sí no tienes texto. El texto automáticamente te ubica, te aterriza en una imagen muy concreta de la realidad, en cambio el movimiento no te va a dar eso.

Foto: Javier Gamboa

Cuando tú creas algo, ¿partes entonces de un concepto o te inspiras en algo en especial?

Siempre parto de la emoción. No me gusta el movimiento por el movimiento, me aburro. Si no le pongo emoción al movimiento yo me aburro. Puedo estudiarlo, investigarlo, mezclarlo, pero si me matas eso... me aburro. Soy demasiado emotiva.

Creo que un tema recurrente en mi inspiración es el tema de la búsqueda del otro. O sea, no hablo necesariamente del amor, pero yo siento que muchas de mis piezas han surgido con el desencuentro. Entonces parto de la imaginación. Tengo una imagen, una sensación, y pum... ¡vuelo! Y empiezo a moverme. Pero, no se, creo que ahora estoy haciendo la práctica de ser más dirigida que dirigirme. Es un aprendizaje. Yo creo que eventualmente voy a terminar dirigiendo. Creo que es mi naturaleza también. Estoy aprendiendo mucho de otros directores, entonces creo que ahorita es mi momento para bailar.

¿Ahorita estás trabajando en algún proyecto?

Ahorita he empezado a ensayar una cosa de circo con elásticos, con un pata que quiere hacer un dúo ahí pero eso es como que no sé cuando será. Por ahí como que se cocina eso. Llegando noviembre me voy a meter a clases de percusión, entonces como que quiero explorar, aprender, siento que hay mucha gente de la que aprender acá, como que todo apunta siempre a la misma lógica de que yo estoy en aprendizaje. Tengo un amigo con el que voy a hacer un corto de cine y yo le digo: "Si quieres ponme de extra, mudita". Y me dice: "Vas a hacer secundario, así que vas a hablar". Y me da mucha curiosidad. No creo que sea buena actriz, no tengo idea, pero... Ahorita un director joven de teatro me está llamando, no digo su nombre porque no sé si se va a concretar el proyecto, pero mi motivación está por la diversificación: quiero diversidad. Sería el ser más feliz de la tierra si es que Coco Guerra algún día me dirigiera. He visto "Don Juan..." y me parece brillante la obra. Qué maravilla ser dirigida por él. Sergio Llusera también quiero que me dirija.

¿Qué cosa dentro de ti ha llamado a que te acerques al teatro de nuevo?

Creo que tiene que ver con un tema emotivo. Yo a veces siento que me asemejo más a actrices que trabajan con el movimiento que a bailarinas. Te estoy hablando ponte de Lita Baluarte, Jimena Lindo, que son actrices. Pero puede ser también mi necesidad de aprender, siempre me gusta aprender cosas nuevas, entonces, en verdad todo tiene su doble cara, no todo es tan así full ay que linda que eres, qué motivada, porque también es el rigor de la disciplina de una bailarina que se levanta temprano, come sano y va a entrenar todos los días. Esa es mi pata coja, porque soy demasiado antojadiza. Entonces no me da la gana, no me da la gana; me da la gana, te doy todo. Es mi batalla realmente.

¿Cómo te ves de aquí a diez años?

Ay Dios mío... (pausa larga) Espero haberme reproducido. No ser una persona que esté obsesionada con la danza sino tener balanceada todos los aspectos de mi vida. No quiero ser una mort populi. Mi ambición es tener mis espacios saludables, no de ser ni gran bailarina ni gran estas cosas.

Y lo demás viene por sí solo...

¡Exacto! Es que llega. Ya después de todos estos años no tengo apuro de nada. Llega, va a llegar, solo tú tienes que chambear, es como tu chamba, no es que eres... ay, un ser dotado especial que necesita tener una vida auténtica porque te dedicas a bailar... nooo. Es una chamba más. Eso ha sido un aprendizaje importantísimo. Yo cuando regresé de Nueva York venía con esta pulsión de hacer, porque hay que hacer, porque hay que lograr metas, porque hay que ir hacia allá, hasta que dije la verdad no me interesa, no me interesa llegar a ningún lugar, es más, estoy más preocupada por hoy día, yo creo que es el camino. Lo demás solito llega.

Una última pregunta, aparte de la danza, ¿a qué otra profesión te dedicarías?

Uy... ¿Que no tenga nada que ver con las artes? Porque te diría cine. Creo que... pucha, qué difícil ah. Yo solo sé que no podría hacer nada que sea de 9 a 6 y en un solo lugar todos los días. No sé, me encanta escribir, me encanta leer sobre filosofía. Me gusta mucho leer. En realidad no leo tanto, pero la reflexión sobre... abstraer. Eso, eso me encanta. La escribiría.

ENCUENTRO UNIVERSITARIO DE DANZA CONTEMPORANEA

2009-11-09T10:51:00.000-08:00

El taller de Danza Contemporánea de la Universidad de Lima presenta el XVI Encuentro Universitario de Danza Contemporánea, evento que favorece el intercambio de experiencias entre los alumnos y corógrafos de las diversas universidades que desarrollan este arte entre sus estudiantes. En esta oportunidad contaremos con los elencos de la Universidad del Pacífico, Villarreal, Ricardo Palma, UNIFE, San Marcos, Andanzas de la Universidad Católica y la Universidad de Lima. Cada grupo presentará una pieza coreográfica corta o un fragmento de sus obras para que la audiencia pueda apreciar el trabajo creativo que se realiza en las diferentes universidades.

El programa de este año incluye un fragmento de la obra Altas Mujeres Encorvadas bajo la dirección de Mirella Carbone - Andanzas. La Universidad de Lima presentará a su vez un fragmento de Instinto de Luna, su último montaje inspirado en los libros de la saga Crepúsculo. Además contamos con coreografías de Carmen Aída Febres - Gustavo López Infantas, Gina Natteri, Jesús Torres, Patricia Wong y la participación de Ricardo Rengifo en escena.

Martes 17 de noviembre a las 7:30p.m.

Auditorio Central de la U. De Lima

INGRESO LIBRE (puerta Manuel Olguín)

Mónica Silva - primera parte

2009-11-05T17:51:00.001-08:00

"Corpus Breve"/ Foto: Javier Gamboa

Por Christian Villegas

¿Para qué es la entrevista?

Bueno, es para brindarles un espacio a directores y coreógrafos para que expresen lo que sienten respecto a la danza y también para que hablen acerca de las cosas que han ido aprendiendo en el camino a las nuevas generaciones que van surgiendo.

A mi me encanta pensar sobre la danza, me encanta hablar sobre ella, me encanta... estira pero agacha, sube pero baja... todo el rato es estar en el punto medio y creo que es también una filosofía de vida, de cómo no es que estás llegando, no es que estás buscando la felicidad, sino que estás en felicidad. Y en infelicidad al mismo tiempo. No hay ningún estado ideal ni ningún estado desastroso y cuando crees que estás en un estado ideal entonces estás fregada porque mañana te caes. Es como el ejercicio de aprender a convivir con estar en un punto medio. Y me da risa cuando lo veo o cuando voy a dictar clases y digo: "tienes que caer pero tienes que pensar en que tu cabeza también está arriba", entonces, es la oposición, ¿no? Desde q tienes q inhalar para exhalar, de cómo para ir ahí tengo que ir hacer esto para ir ahí. Es un ciclo de dos caras.

El otro día una amiga que hace registro de video me decía: "Cuando tú haces tu obra no solamente piensas en la iluminación de la escena sino también en la iluminación del registro porque eso finalmente es lo que va a quedar". Porque la escena como es efímera... entonces no necesariamente vas a hacer las iluminaciones para el video pero... Es de las dos pues ¿no? Tiene su belleza también el desapego de hacer cosas que no... Es ingrato, pero al mismo tiempo cuando lo haces es tan mágico, tan que está ahí y no se va a repetir... Y al mismo tiempo como que tú en danza ensayas tanto tiempo y bailas tan poquito... Igual es otro ejercicio de desapego... Un ejercicio de encontrarle valor a cada pequeñita cosa que hay en el camino. Una práctica.

¿Cómo así entraste al mundo de la danza?
Hay una anécdota... yo no sé que tan trascendente es esa anécdota, pero en términos prácticos, es mi iniciadora en el movimiento. Cuando estaba en la universidad, en segundo ciclo en la Católica, mi profesora de psicología tenía un taller de arte para niños, entonces me llamó a practicar con ella y me pagó con clases de danza. Yo tenía 17 años y una de las particularidades es que ella era psicóloga, entonces todo el taller de verano que hicimos tenía una exploración de quien soy y comprenderás que a una adolescente ponerla a preguntarse quien eres y engancharla en proceso con la creación es una experiencia muy potente. Y más que una técnica de movimiento eran cosas de expresión que han marcado bastante que tipo de danza me gusta hacer: más expresiva. Porque me enseñó una forma de relacionarme con el movimiento, más allá de cuan riguroso científicamente era el método que estaba aplicando. Iba por el lado de: "La relación con el movimiento pasa con una relación con quién eres". Entonces a los 17 años encontré una vía de exploración, de búsqueda de expresión... nunca más lo pude dejar. No era como un entrenamiento físico. Yo nunca entré a la danza como un entrenamiento físico. Eso me ha permitido moverme dentro de la danza en distintas áreas, no solamente como bailarina. La danza nunca ha dejado de estar en mi vida pero no es que en todos esos años he estado "moviéndome" necesariamente. Incluso ahorita es un tiempo en el que estoy entrenando poco y no me molesta. Me gusta que venga la necesidad y no simplemente moverse por inercia... Ya me fui a otro lado. (risas)

Has trabajado con varios directores, tanto aquí como en E.E.U.U. ¿Qué cosas descubriste con cada uno de ellos?
Mira, son VARIAS ETAPAS y en realidad no solo cambia el director y el estilo y la metodología del director sino cambia en qué momento de la vida estás. Mi primera coreografía me la dirigió esta persona de la que te hablaba en mis inicios. Luego comencé a trabajar con Rossana Peñaloza en Pata de Cabra. Allí no hice montajes, hice más muestras y en realidad esa época fue un poco frustrante porque en este proceso en que tu vas reafirmándote y encontrándote como bailarina tienes distintos modelos a seguir, ¿no? Entonces fue una época muy fuerte de conflicto en relación a mi cuerpo. Era un drama no ser flaca, era época de hacer dietas, de sudar frío cada vez que tenía que ponerme un vestuario. Todo mi proceso de creación era bien estresante y con mucha inseguridad respecto a mi cuerpo.

Me fui de viaje y estuve 4 años en Nueva York donde tuve muchos directores. Qué característica tiene Nueva York, es que como va tan rápido, las producciones son muy pequeñas, entonces son rápidas. En una Escuela en la que estudiaba había unos seminarios, Performance Studies Workshop, que en dos semanas armas una coreografía. Entonces dentro de lo coreográfico aprendí mucho. Estaba en un speech de ser una esponja y los directores de Nueva York eran muy orientados hacia el cuerpo. Incluso cuando también dirigí en Nueva York había mucha frustración en la comunicación de la relación entre la emoción y el movimiento. No había ese nexo, que por un lado era útil para mi, porque despersonalizaba toda la carga emotiva que yo traía de las relación entre mi cuerpo y mi identidad y la frustración de mi cuerpo. Allí era un cuerpo más, no interesa si es gordo, flaco, chico o grande, simplemente el paso es en esta dirección y es en este giro y se acabó. Y Nueva York era un lugar en el que el anonimato podías leerlo como indiferencia pero al mismo tiempo como un estado de libertad, de poder ser cualquiera, y entrar y salir. Había mucha diversidad cultural y si aguantabas poder ser un cuerpo y no Mónica, está muy bien. Entonces en Nueva York siento que fui un cuerpo. Aprendí un montón siendo un cuerpo.

"Platos Rotos"/ foto: Javier Ponce
Cuando regresé de Nueva York fue un retorno bien duro, muy duro. Porqué regresé, no tengo idea, pero creo que una de las cosas más fuertes era la soledad que era muy dura. Trabajabas todo el día, TODO el día, de lunes a domingo y era muy fuerte. Cuando regresé a Perú, apenas llegué, volví a trabajar con Mirella Carbone. Con Mirella tengo toda una relación que era de ser su asistente, asistente no en el sentido que tengo una injerencia en la dirección del asunto, simplemente soy la chulilla que ayuda en lo que pueda y observo todos los ensayos y veo el proceso. Y con Mirella de alguna u otra manera siempre tuve por ahí alguna relación con expresiones. Y allí es cuando te digo esta cuestión de los momentos de vida y los directores. Cuando en el 2004 hice "Platos rotos" con Mirella, yo siento que todavía no estaba ni aquí ni allá, era como un momento de transición. Todavía digo: "Pobre Mirella, cómo ha sufrido conmigo" porque yo creo que estaba muy inmadura todavía como para haberle entregado más. Porque con Mirella no es necesariamente una creación colectiva, pero sí tienes que mostrar el material. Ella manda tareas y tú tienes que arrojar el material y luego ella lo va componiendo. Entonces en esa parte siento que yo no fui lo suficientemente rigurosa.

De ahí ha venido todo un período en que yo he estado dirigiendo cosas. Han sido como tres años donde más que dejarme dirigir por otros, decido hacer yo mis propias producciones. Hacía bastantes solos y trabajaba con Kike Gamboa quien fue alguien quien me acompañó mucho en ese tiempo. Todo dentro de este proceso de aterrizaje forzoso a Lima. Fue fuerte.

Y de allí en el verano del 2008 apareció Guillermo Castrillón e hicimos "Box" con las chicas y las chicas pues son mis partners y ahhh para mi fue "Papa Noel llegó a la casa" de poder bailar con ellas. Seguí con Guillermo Castrillón, que yo le llamo Guillermo Pastrulón, un loco de mierda, pero (risas) con Guillermo es una delicia porque... naaa, todo tiene su pro y su contra, ¿no? Porque Guillermo es muy denso, es una persona que le gusta trabajar en los dolores, en los sufrimientos, es su tema: le gusta hurgar en el sufrimiento humano. Entonces si tú no te contienes a ti misma y estableces bien tus barreras, puede ser muy desgastante. Yo siento que hasta ahora he llevado bien la fiesta y es como que Guillermo me pone estas fichas con las que puedo jugar y luego me dice "juega, haz lo que quieras", y me pone la música y eso sale. Entonces es un director que me permite dirigirme a mi misma y hacer mi propia improvisación. A mi me encanta improvisar, entonces me permite tener cierta autonomía en la creación, me da mucho espacio para una creación, pero al mismo tiempo el espacio grande también a veces hace que no hayan contenciones, ¿no? entonces como que... ya... pero a dónde va esto? ¿No? Igual es un ejercicio de cómo vas madurando y como te ubicas en el rol que estás ejerciendo en este momento. Entonces si él está dirigiendo, tú estás en el rol de ser dirigida, no tienes porque pasarte al rol de director, a cuestionar sus decisiones de dirección. Si has aceptado ser dirigida, acepta y adáptate a ese rol.

Y luego está Pachi que es el otro extremo porque Pachi es super rigurosa, es muy rigurosa, es la disciplina pura, entonces yo digo es "Pachi Limón" porque nos exprime y es muy bacán porque te reta en otro aspecto que es el aspecto técnico, ¿no? Y ya, ahorita estoy simplemente con ganas de ubicarme, de ser dirigida y aprender desde allí, aprender a que me digan que hacer y yo aportar en el espacio que me dejen. Es paja.

De las cosas que has hecho, ¿qué te gustaría volver a montar?
"Box". Me muero de ganas de hacer "Box". Haría también "Mujeres que habitan en mi". Esas dos. Igual tengo una que hice que se llama "Zapatillas rojas" que fue una de mis primeras coreografías, que fue muy chiquitita, fueron 6 minutos e increíblemente es una coreografía que mucha gente recuerda y la hice en el 2000. Esa coreografía tiene su lugarcito allí en mi corazón.

Las verdugas al acecho

2009-10-04T18:41:00.000-07:00

Por Christian Villegas

Como parte de la III edición del Festival de Danza Independiente 100% Cuerpo organizado por Komilfó Teatro en coordinación con la Alianza Francesa de Lima, Andanzas, la Escuela de Danza Contemporánea y Movimiento de la PUCP, presentó del 24 al 28 de setiembre "Altas mujeres encorvadas", fruto de un cuidadoso laboratorio de creación e investigación hecho por los alumnos de los niveles más avanzados bajo la dirección de Mirella Carbone.

La obra es una propuesta de danza-teatro que gira alrededor de los dilemas de una chica, interpretada por Lorna Ortiz, por bajar su exceso de peso: la balanza como juez, la obsesión por los ejercicios, la nostalgia por recuperar la figura que tenía cuando era más joven, el miedo a verse a sí misma, el miedo a no sentirse aceptada por los demás, la refrigeradora como amiga donde encuentra un refugio y también como enemiga de donde salen todos los fantasmas que la acosan con diversos platos de comida.

Estas imágenes, que parecen salidas de una pesadilla, es la excusa para abordar todos esos pensamientos y costumbres de los cuales uno cree que no puede huir. Altas mujeres encorvadas se elabora sobre las prisiones internas que crea cada mujer frente a los valores que les inculca la sociedad actual, la cual las exige y somete a presiones de diversos tipos llegando a socavar su libertad personal.

Si hay algo que merece destacar de esta obra es la manera como el grupo ha logrado personificar, en la figura de los cocineros, los distintos roles de verdugos que asumen las figuras paternas junto a los propios verdugos que elaboran las mujeres dentro de sí mismas, con todo el maltrato, la prepotencia y los abusos que estos suponen.

Incluso el papel de verdugo que juega la misma mujer cuando se pone del lado de los ideales masculinos de belleza que dicta la sociedad. Las altas mujeres encorvadas que le dicen a una chica como debe vestirse y que la llevan al quirófano a hacerse la cirugía plástica o la anunciante de productos de belleza de mirada maquiavélica son un reflejo de esto.

Pero la obra no se queda ahí: toca además esas cosas que nos inculcan desde chicos y que instalan en el subconciente una serie de miedos, un ejemplo de esto es la personificación de las figuras de Hansel y Gretel en relación a la mesa, espacio de interacción entre padres e hijos a la hora de la cena y espacio donde los niños se reúnen a jugar, los cuales, desde pequeños, son inculcados a consumir comida chatarra.

De todas las imágenes dos son las que más se han quedado grabadas en mi retina:

La primera, una gran caja en la que está metida Tatiana Vizcarra y como Andrea Pimentel se introduce en ella y la empuja a salir fuera de su encierro, reflejo de la cárcel instalada en el subconciente de la mujer y del encuentro consigo misma y con su alma, la parte que no necesita vestir un traje para ser valorada.

Los personajes de la otra imagen remiten al cuento El soldadito de plomo: una bailarina semidesnuda viste su traje de ballet, mientras los bailarines mutilados que descansan a su alrededor se levantan para encontrarse a sí mismos y recuperar, entre muestras de cariño, aquellas partes que nunca habían perdido.

¿Puede uno mirarse en el espejo y aceptarse tal cual es? ¿Hay alguna comodidad en el encierro? ¿Por qué no abrir la puerta y mostrar lo que hay dentro de ti?

Estas chicas abren sus puertas para darnos una respuesta...

Intérpretes: Adriana Arrunátegui, Anita Chung, Maite Cortez, César Gólac, Andrea Pimentel, Laura Santa Cruz, Pamela Santana, Tatiana Vizcarra y Fernando Castro con la participación especial de Lorna Ortiz y la asistencia coreográfica de Renzo Zavaleta.

A DOS MESES DE LA MUERTE DE MERCE CUNNINGHAM (1919 - 2009)

2009-09-27T10:33:00.000-07:00

Por Christian Villegas

Foto: Linda A. Cicero

Merce Cunningham, reconocido coreógrafo y bailarín, discípulo de Martha Graham y perteneciente a a la tercera generación de la Escuela Americana de innovadores de la danza, falleció la noche del 26 de julio a los 90 años en su casa de Nueva York.

Cunningham, quien bailó hasta los 80 años, revolucionó el escenario dando un gran impulso al movimiento postmoderno de la danza al desarrollar junto a John Cage ideas relacionadas con la coexistencia e interdependencia de las artes visuales, el sonido y el movimiento, dando paso a nuevas maneras de percibir y experimentar el mundo e incorporando las tecnologías al servicio de la danza en su búsqueda de la belleza a través de la exploración de nuevas posibilidades creativas.

Datos biográficos

"Realmente hay que amar la danza para dedicarle la vida. No te devuelve nada: ni manuscritos que conservar, ni pinturas para mostrar en las paredes o tal vez colgar en los museos, ni poemas para editarse o venderse. Nada más que un simple momento fugaz en el que te sientes vivo."

Mercier Philip Cunningham nació el 16 de abril de 1919 en Centralia, Washington.

En 1937 ingresó en la Cornish School (actualmente, la Cornish College of the Arts) de Seattle, Washington, donde estudió teatro y danza y donde conoció al músico John Cage con quien entabló una amistad y una relación personal que duraría hasta el fallecimiento de este último en 1992.

En 1939 Cunningham dejó la Cornish School para irse a estudiar en el Bennington College de Vermont, donde Martha Graham, otra pionera de la danza, lo captó para su compañía en la cual fue solista y bailarín principal.

En 1942, Cage también se fue al este y los dos artistas colaboraron por primera vez en Credo in Us, un dueto con coreografía de Cunningham y Jean Erdman (también de la compañía de Martha Graham) en el que ambos bailaban. En abril de 1944, Cunningham y Cage presentaron su primer concierto conjunto de solos en la ciudad de Nueva York.

En 1945 Cunningham abandona la Martha Graham Dance Company y en 1953 funda su propia compañía de danza, la Merce Cunningham Dance Company, cuando fue invitado a dar clases en la escuela de verano del Black Mountain College, la progresista y liberal escuela de Carolina del Norte, donde conoció a los pintores Jasper Johns y Robert Rauschenberg quienes harían los decorados de sus futuras obras.

En 1964, la Merce Cunningham Dance Company realizó su primera gira mundial que abarcó países de Europa y Asia. La importante acogida que tuvo su trabajo junto con el de sus colaboradores, sobretodo en París y en Londres, fueron determinantes para que el público y la crítica estadounidense cambiasen su opinión y la percepción que tenían respecto a su manera de concebir la danza. A partir de ese año la compañía fue en crecimiento realizando giras por diversas partes del mundo, paralelo a le evolución del trabajo creativo realizado por la dupla Cunningham-Cage.

Además de Cage, Johns y Rauschenberg, Cunningham trabajó junto a artistas destacados como Andy Warhol, Frank Stella, Robert Morris, Mark Lancaster y Sergei Bugaev, además de músicos de la talla de Morton Feldman, David Tudor, Christian Wolff, Earle Brown, Conlon Nancarrow, Gordon Mumma, Gavin Bryars, Takehisa Kosugi y Brian Eno, entre otros. Si hay algo que destacar de Cunningham es que siempre se interesó en promover las propuestas de los artistas jóvenes de diversas partes del mundo.

En Francia, Cunningham fue nombrado comandante de la Orden de las Artes y las Letras en 1982, Caballero Primero en 1989 y luego Oficial de la Legión de Honor en el 2004. En octubre del 2005 recibió el Premium Imperiale en Tokio.

En junio pasado, la Cunningham Dance Fundation anunció que la Merce Cunningham Dance Company cerrará dos años después del fallecimiento del artista, respetando así el "Plan de legado vivo" dejado por él, quien dispuso que, tras su fallecimiento, la compañía realice una gira mundial de dos años para luego disolverse, como ese momento fugaz cuando el ser humano repasa su vida antes que su alma se disuelva en el infinito, el último momento fugaz en el que te sientes vivo.

Evolución artística

"La danza es un arte en el espacio y en el tiempo. El objetivo del bailarín es acabar con ese concepto."

La primera etapa de Cunningham se desarrolla hacia el final de los años cuarenta cuando empieza a trabajar por separado la coreografía y la composición musical utilizando lo que Cage denominaba una "estructura rítmica", períodos de tiempo acordados como puntos de estructura de principio y final entre la música y la danza, lo cual le permitía a Cunningham componer sin tener que depender de una marcación nota a nota. Los bailarines por lo general no escuchaban la música hasta la primera representación.

La segunda etapa viene marcada por las operaciones aleatorias iniciadas en los años cincuenta, piezas en las que el azar se convierte en el factor impulsor de las coreografías, a través de las cuales los artistas sobrepasan sus preconceptos para plantear situaciones que desafían la imaginación. Aquí el coreógrafo elabora un gran número de frases de danza, cada una por separado, y luego aplica el azar para descubrir la continuidad: qué frase sigue a cada frase, con qué sentido del tiempo y del ritmo funciona un movimiento en particular, cuántos y cuáles bailarines intervienen, dónde se encuentra en el espacio y cómo está dividida. No hay causa y efecto, ni estructura narrativa, ni forma musical, solo una estructura orgánica no preconcebida ni impuesta sobre el material.

Foto: Anna Finke

"Leí a Einstein por pura casualidad. Cuando dice que no hay puntos fijos en el espacio, pensé: esto es perfecto, es lo que yo considero para el espacio escénico. No hay puntos fijos, donde estás puedes ser un centro."

Siguiendo estos principios, en 1964 creó sus famosos Events: danzas presentadas en lugares ajenos a los tradicionales espacios escénicos que combinan secuencias de obras antiguas y recientes cuyo orden se decide el día de la presentación.

La tercera etapa se desarrolla en los años setenta, fruto de sus trabajos de cine y video en colaboración con Charles Atlas y Elliot Caplan. Cunningham creó una serie de coreografías específicamente para la cámara las cuales definían una gramática de danza en la pantalla. Esto le permitió coreografiar para un espacio similar al que ve el ojo de la cámara, sin intentar imitar las características del escenario. Los planos de detalle, los movimientos y cambios de cámara y los tempos empleados para cada encuadre añadieron una nueva dimensión a su conducta de trabajo.

La cuarta etapa se desarrolla en los años noventa. El interés de Cunningham en la tecnología contemporánea le llevó a trabajar con el programa para computadora "LifeForms", creado conjuntamente por los Departamentos de Danza y de Ciencias de la Simon Fraser University of Columbia (U.K.). Mediante este programa, un profesor puede introducir en la memoria del computador los ejercicios que se realizan en clase para que los alumnos puedan consultarlos y aclarar conceptos, pero además, a través del editor de secuencias, se pueden crear movimientos y componer frases que pueden ser luego vistas desde cualquier ángulo y a cualquier velocidad, de modo que los ojos captan algo que nunca antes habían visto.

"La técnica de danza es la disciplina de las propias energías a través de la acción física en función de liberar esa energía en el instante deseado. La mente, el cuerpo y el espíritu funcionan como una unidad."

INSTINTO DE LUNA

2009-08-10T18:29:00.000-07:00

“Los vampiros son los depredadores del hombre; los licántropos existen para proteger a la especie humana de ellos. Cada vez que nace un vampiro, nace también un nuevo hombre lobo.”

Este año el Taller de Danza Contemporánea de la Universidad de Lima, DANZA ULIMA, presentará su segundo Montaje, Instinto de Luna, espectáculo dirigido por la bailarina Carola Robles e inspirado en la serie de libros de Stephenie Meyer: Crepúsculo, Luna Nueva, Eclipse y Amanecer; novelas de fantasía y romance que tratan sobre el peligroso amor entre una joven, un vampiro y un licántropo. En este trabajo se extraen características de los protagonistas de la novela para contar una historia sobre la intensidad del primer amor en un universo sobrenatural de seres animalescos e instintivos.

Instinto de Luna
Viernes 21 y sábado 22 de agosto
Auditorio Central de la Universidad de Lima (Av. Javier Prado Este. Cuadra 46. Monterrico)
19.30 p.m.
INGRESO LIBRE

Bailan:
Andrea Aliaga, Marisol Benavides, Diego Gargurevich, Renzo Hartog, Paul Mayca, Claudia Muñoz, Mayra Ortega, Gabriela Olivera, Christian Villegas, Jessica Wong.

Creación y Dirección: Carola Robles 
Asistencia de Dirección: Luis Valdivia
Produccion General: Diego Gargurevich L. 
Diseño de Luces: Dani Céspedes
Arreglos y Edición musical: Ricardo Noriega - MyE Comunicación 
Fotografía: Andrea Gianella 
Maquillaje: Mayra Ortega
Dirección de Arte: Diego Gargurevich L. 
Confección de Vestuario: Gregoria Milachay
Construcción de Escenario: Josue Gutiérrez 
Operador de Luces: Alfredo Prado
Publicidad y Prensa: Imagen - Universidad de Lima 
Actividades Artísticas: Rosa Coucillas

PINA BAUSCH

2009-07-08T09:28:00.000-07:00

por Christian Villegas

Descansa en paz pequeña Pina
Philippine Bausch (Solingen, 27 de julio de 1940 - Wuppertal, 30 de junio de 2009)

Pina Bausch, una de las principales propulsoras del teatro-danza en Europa, considerada como la mejor coreógrafa del siglo XX y como una de las figuras más destacadas de la danza internacional contemporánea, nos dejó el pasado 30 de junio a los 68 años producto de un cáncer fulminante diagnosticado tan solo cinco días antes.

La muerte la cogió cuando se encontraba preparando junto con el director de cine Wim Wenders la que sería la primera danza en tres dimensiones, un proyecto llamado "Pina".

El 12 de junio acababa de estrenar en el Wuppertaler Opera House su último trabajo basado en una introspección al pasado de Chile, realizada en co-producción con el Instituto Goethe de ese país. Dicha obra se presentará en la próxima edición del Festival Santiago a Mil, durante la conmemoración del Bicentenario de la independencia chilena, en enero de 2010. La obra incluye música de Víctor Jara, Violeta Parra y otros artistas entre los que destaca Jean Pierre Magnet.

Trayectoria
«Empecé a bailar porque tenía miedo a hablar»

Pina Bausch inicia sus estudios en 1955, a los 14 años de edad, en la Folkwangschule de Essen, la cual estaba dirigida por el coreógrafo expresionista alemán Kurt Jooss (Wasseralfingen, 1901 - Heilbroom, 1979).

En 1958 se gradúa en danza escénica y pedagogía de la danza y en 1959 obtiene una beca del Servicio Alemán de Intercambio Académico (DAAD), que le permitió perfeccionarse en EE.UU. durante tres años. Allí fue estudiante especial en la Juillard School of Music de Nueva York, donde tomó clases con José Limon y Anthony Tudor. Durante su estancia en Nueva York, bailó para diversas compañías entre las que destacan el New American Ballet y el Metropolitan Opera Ballet.

En 1962 regresa a Alemania invitada a trabajar como solista en el recién fundado Folkwang Ballett, bajo la dirección de Kurt Jooss. El nuevo ensamble pronto es aclamado internacionalmente. Durante diez años baila como solista, codirige la compañía, enseña en la escuela y firma sus primeras coreografías, llegando a recibir propuestas de las más importantes compañías europeas para continuar su carrera.

A pesar del éxito mundial, que le abrió las puertas de los grandes teatros, Pina Bausch decide quedarse en su país y bailar ya no por la hermosa apariencia de la danza, sino para adentrarse en una exploración existencial y encontrar una forma adecuada de representación escénica. Es así que en 1973, acepta la propuesta de Arno Wüstenhöfer, director de la Ópera de Wuppertal, para ser la coreógrafa del Ballet de la Ópera y asumir la dirección de su propia compañía, el Tanztheater Wuppertal, que sobrevive hasta la actualidad.

Aquella mujer bajita y delgada ha recibido cerca de 60 premios y distinciones desde su primera coreografía, titulada "Fragmento" (1968). También ha aparecido en las películas "E la nave va" (1982) de Federico Fellini y "Hable con ella" (2001) de Pedro Almodóvar.

Estética
«La danza no parte de un texto existente, emerge de un juego de experiencias que consiste, en el fondo, en reconocer algo todavía desconocido. O incluso: dejar que aflore alguna cosa que sabe el cuerpo, pero que las conveniencias sociales y morales han podido reprimir».

Las obras de Pina Bausch no siguen una progresión lineal. Se construyen más bien a partir de una serie de episodios que rompen con los esquemas convencionales de la representación escénica. Pequeños dramas e historias colectivas pasan a convertirse en un collage escénico donde múltiples acciones simultáneas son confrontadas con el público que participa de un espectáculo cuyo trabajo artístico tanto a nivel de música como de escenografía merece siempre destacarse.

Sus primeras obras, basadas en fragmentos de piezas musicales y en grandes textos de la literatura mundial, son cuestionadas hasta por sus propios bailarines quienes no entendían que la Bausch quería expresar en movimientos lo que ya no puede mostrarse con las palabras, siempre bajo la influencia de la modern dance clásica heredada de su maestro Kurt Jooss. De esta primera etapa destacan las obras Iphigenie auf Tauris (1974), Ich bring dich um die Ecke... / Adagio - Fünf Lieder von Gustav Mahler (1974) y Orpheus und Eurydike (1975).

Su primer gran éxito, que determinaría también la evolución de su lenguaje escénico, llega en 1975 con la obra Frühlingsopfer (1975) basada en "La consagración de la primavera" de Stravinsky, pieza musical que se convertiría en la base de las audiciones para todos los bailarines que deseaban formar parte de la compañía.

A partir de aquí Bausch da paso a imágenes visionarias de una fuerza inusual para la época. La puesta en escena de la explotación del hombre por el hombre, la violencia contra la mujer, la indiferencia de la colectividad frente al individuo, la necesidad de ser amados u odiados, la manera como nos convertimos en víctimas o victimarios, y la víctima obligada al sacrificio en representación de los demás, generan en el público un shock de reconocimiento porque apuntan a las raíz del subconciente al mostrar aquellos comportamientos humanos agresivos y potencialmente destructivos, latentes en nuestra naturaleza humana.

Die sieben Todsünden (Los siete pecados capitales, 1976), basada en música de Kurt Weil y textos de Bertolt Brecht; Blaubart (Barbazul, 1977), basado en una ópera de Béla Bartók; Komm tanz mit mir (Ven, danza conmigo, 1977), donde se va acentuando cada vez más el tema de la batalla entre los sexos y sus modelos de seducción y agresión litúrgicos; son las obras más características de esta etapa.

Café Müller (1978), su obra más autobiográfica y más conocida, es quizás el punto a partir del cual la artista aborda temas más personales para mostrarnos trabajos cargados de ternura y cruda humanidad. En Café Müller Pina evoca el café que su padre tenía en la región renana de Solingen donde pasó su infancia, refugiada bajo las mesas y observando el mundo desde abajo sin ser vista. Fue el encuentro de Pina Bausch con la pequeña niña que habitaba dentro de ella.

Curiosamente, Café Müller es el único trabajo del Tanztheater Wuppertal en el que Pina Bausch baila. La obra hace incapié en la imposibilidad de la comunicación entre los seres humanos y la posibilidad de la comunicación de un mensaje a través del cuerpo que las palabras apenas permiten vislumbrar.

A Café Müller le sigue Kontakthof (Patio de contacto, 1978), una obra basada en la gestualidad del comportamiento cotidiano, tanto en lo íntimo como en lo social, algo que la directora ya venía trabajando y que sería el sello de sus obras posteriores. Kontakthof sería repuesta en el 2000 con personas mayores de 65 años y en el 2008 con adolescentes a partir de los 14 años, manteniéndose siempre fiel a la obra original que trata de los desesperados intentos de acercamiento entre las personas y de la frágil línea que separa la ternura de la brutalidad.

A partir de allí sus imágenes se hacen cada vez más poéticas y muestran al mismo tiempo una ironía cargada de una profunda inocencia. En Arien (1979), por ejemplo, los bailarines danzan sobre un piso lleno de agua donde además aparece un hipopótamo en medio de una escena elegante, en Keuschheitslegende (1979) aparece ¡un cocodrilo!

A estas obras le siguen 1980 (1980), Bandoneon (1980), Walzer (1982) y Nelken (1982), esta última ligada a la muerte de su primer esposo, Rolf Borzik, acontecida en 1980 (muchos recordarán la imagen de la mujer que camina sobre un mar de claveles tocando un bandoneón). Es con él (como más tarde con Peter Pabst) con quien empieza a crear sus majestuosos decorados.

Viktor (1986), otra de sus obras más emblemáticas, es la que de alguna manera cierra esta etapa de exploración más personal. Su película Die Klage der Kaiserin (El lamento de la emperatriz, 1989) resume gran parte de su trabajo hasta esta época.

Desde fines de los 80´s la compañía desarrolla co-producciones en colaboración con las instituciones de las ciudades a las cuales visita, empapándose del ambiente local, su gente, su música, su luz y sus imágenes por un período de residencia que dura cerca de un mes. Fruto de estas experiencias son las obras Palermo, Palermo (1989), de una visita a Sicilia; Tanzabend II (1991) de una visita a Madrid; Danzón (1995) de una visita a Buenos Aires; Nur Du (Solamente tú, 1996), basado en la vida nocturna de la ciudad de Los Angeles; Der Fensterputzer (El limpiador de ventanas, 1997), creado a partir de una residencia en Hong Kong justo en el momento en que se preparaba la devolución de la colonia inglesa a la República China; Masurca Fogo (1998), de una visita a Lisboa; Wiesenland (2000), de una visita a Budapest; Água (2001), desarrollada con el Goethe Institut de Sao Paulo, cuya banda sonora incluye un tema de Javier Lazo interpretado por Susana Baca; Nefés (2003), de una estancia en Estambul; Ten Chi (2004) de una etapa en Saitama y Tokio; y Rouge Cut (2005) de una estancia en Seúl, por citar algunos ejemplos.

Más que hacer ser piezas sobre una determinada ciudad, lo que busca Pina Bausch es mostrar una visión mucho más luminosa y lírica, tan cotidiana para el que reside en dicha ciudad, pero a la vez tan peculiar para el viajante que la visita desde afuera, lejos ya de la negrura desesperada de sus primeras obras, para mostrar la belleza que hay en la vida.

La recepción de sus obras siempre es objeto de controversia ya que obligan al público a confrontarse con el lado más íntimo de su condición humana: temas como el amor, la muerte, la angustia, la nostalgia, la tristeza, la soledad, la frustración, el terror, la crueldad, la desesperación, la alegría, la identidad, son mostrados de una manera cruda y directa. Los bailarines saben que trabajar para Pina es estar dispuestos a desnudar sus defectos y a confrontar sus miedos, deseos, complejos y, en suma, su propia vulnerabilidad, siempre dispuestos a tomar riesgos. Resulta curioso que ellos no guarden relación alguna con el ideal de belleza que fomenta la publicidad y que sean de diferentes razas, países y escuelas. Como dice la misma Pina: «No me interesa el movimiento. Me interesa lo que mueve a las personas. No me interesa cómo se mueve el ser humano, sino aquello que lo conmueve».

Vollmond (2006), uno de sus últimos trabajos, es una pieza cargada de poesía donde los bailarines asumen el reto de bailar sobre un escenario donde cae la lluvia.

«La vida jamás es como una pista de baile, lisa y tranquilizadora. Me gusta la experiencia de la naturaleza con relación al baile. El paso de un bailarín sobre la hierba o sobre la tierra fresca es completamente diferente: su modo de ser y de moverse es conmovedor.»

Gracias maestra, descansa en paz.

LA CONVIVENCIA INTERIOR QUE HAY EN TI

2009-06-28T22:41:00.000-07:00

Acerca de "Sara" y "Mujeres que habitan en mi" de Guillermo Castrillón

Por Christian Villegas

Continuando con su búsqueda de la comprensión del mundo femenino y la exploración y desarrollo del lenguaje de la performance, Guillermo Castrillón reunió a Jimena Lindo, Mónica Silva y Lita Baluarte para presentarnos "Mujeres que habitan en mi" en la Alianza Francesa de Miraflores el pasado mes de abril, y "Sara", una performance más cercana al teatro, en la Galería Germán Krüger Espantoso del ICPNA de Miraflores, con la participación de Kareen Spano.

"Mujeres que habitan en mi" es una creación colectiva cargada de momentos intensos como cuando Mónica maltrata su cuerpo porque el jean ya no le queda o cuando Jimena se desahoga comiendo un pastel hasta atragantarse o ese sentimiento de culpa que subyace en experiencias traumáticas que Lita nunca termina de contar, testimonio de los fantasmas que habitan en ellas, junto con sus fantasías, temores, deseos y búsquedas, reflejo de su lucha por aceptarse como son, en medio de una sociedad que les dicta desde pequeñas como deberían ser.

Por su parte, "Sara" es la primera parte de un trabajo en conjunto basado en la historia de Sarah Hellen, una mujer del pueblo de Blackburn, Inglaterra, que fue llevada a la horca por brujería un 9 de junio de 1913 y cuyo cuerpo fue enterrado en Pisco donde se encuentra hasta hoy. En 1993, el gobierno de Fujimori utilizó el mito como una cortina de humo de sus maniobras oscuras, transformándola en un vampiro. El mito creció cuando el terremoto del 2007 dejó el cementerio destruido manteniendo intacta su tumba.

Kareen desviste al mito para rescatar a la mujer marginada y condenada por la sociedad patriarcal, misógina y machista. A su vez, Kareen encuentra en Sarah a esa otra mujer que habita en ella y utiliza al personaje como excusa para expresar lo que siente como actriz y lo que significa el teatro para ella, expresando también su sentir respecto a la sociedad en la que le ha tocado vivir.

La caída de la cuarta pared

Algo parecido sucede en "Mujeres que habitan en mi", donde el autor hace alusión a las mujeres que habitan en él, que es también un reflejo de lo que Jimena, Lita y Mónica representan en su vida. Ya saben que todos tenemos un lado masculino y un lado femenino dentro, y en una sociedad machista como la nuestra hay una pared invisible que divide ambos lados la cual les impide establecer el diálogo.

Castrillón se vale del lenguaje de la performance para tumbar esa pared que es también un reflejo de la pared invisible que divide al escenario del público. Ya no ves a través de una ventana transparente, la persona que habla te invita a estar dentro, a decirte que es también parte de ti, porque las vivencias que narra son comunes a todos, solo que algunos las ven mientras a otros no les importa, quizás porque no es el momento, y sin embargo algo en el interior del público reacciona y el público mismo no sabe qué es.

Ese bendito chip que transforma todo

Uno de los momentos más conmovedores de "Mujeres que habitan en mi" es el monólogo de Jimena Lindo acerca de la historia del clavo que saca a otro clavo, me sentí identificado con ese maldito chip que comete el error de no saber amar y está con una y con otra para sacarse el clavo pero cuando llega la persona indicada para ello, el maldito chip echa todo a perder. Jamás entenderé porque el público se reía tanto mientras Jimena gritaba llorando.

Cierto que algunas imágenes eran graciosas (como cuando Jimena cuenta la historia de la princesa en su castillo, el príncipe azul y la bruja), pero es también virtud de ellas el transformar sus rollos personales en una propuesta escénica conjunta y ser valientes para reírse de sí mismas y asumirse tal como son.

Tres mujeres, tres artistas, tres fuerzas, cuyos testimonios eran soltados con tal desfachatez y a la vez tanta sinceridad que generaba toda clase de respuestas en el público.

No hay imagen más poética que resuma la obra como ver caer el agua sobre Mónica, Lita y Jimena después de haberse sumergido tanto dentro del fango que hay en sí mismas.

Volviendo a Sara

En "Sara", Castrillón va más allá, ya que somos introducidos en un sótano en cuya esquina yace el cuerpo desnudo de Kareen rodeado de velas encendidas y otros elementos que le dan un alto contenido poético, la imagen era tan impactante que el público no tardó en guardar silencio. De pronto Kareen se levanta y el eco de su voz retumba en la galería para contarnos su historia, tanto la suya, como la de Sara y la de esa otra mujer que se funde en ambas más allá de la creación escénica.

Si hay algo por lo cual felicitar a Castrillón es por la calidad artística de ambas obras así como por el delicado cuidado de cada elemento. Catártico tanto para las actrices como para el público. Aplausos totales.

Artista del mes: Pachi Valle Riestra

2009-06-15T16:00:00.000-07:00

El Cuerpo en Esencia
Por Diego Gargurevich L.

Este año en el festival Danza Nueva, Pachi Valle Riestra y Cuatro Costillas Flotantes deciden trabajar la herramienta principal de la danza, el cuerpo, mostrándola como tal… una maquina maravillosa que cada uno de nosotros posee.

Se puede decir que Pachi ha bailado desde que tiene uso de razón, y también podemos decir que es una de las grandes exponentes de la danza contemporánea en nuestro país, una importante bailarina, coreógrafa, directora y profesora de 40 años.

Con su formación en clásico, inició su vida profesional como parte del elenco del Ballet Municipal y como miembro del grupo Integro; a partir de ahí tomó la decisión que cambiaría su vida por completo, dedicarse a la danza contemporánea. Viajó a NY y obtuvo su bachillerato en Danza (BFA) de S.U.N.Y. Purchase – Nueva York. Ya graduada, empieza a trabajar con diferentes coreógrafos independientes de la zona y junto a tres coreógrafas fundó el grupo BIRLIBIRLOQUE.

En 1995 decide regresar a su tierra natal. Junto a dos amigas (Mirella Carbone y Rossana Peñaloza) crean Pata de Cabra, centro de danza que colaboró con la formación de muchos bailarines peruanos, incluyendo a muchos con los que trabaja. Ha continuado su trabajo como profesora y desde el 2000, enseña en la escuela Andanzas de la Universidad Católica.

ensayo Corpus Breve/ Fotos: Diego Gargurevich
Ha presentado sus trabajos en diferentes países y ha bailado para coreógrafos internacionales en Hong Kong, México, Alemania, entre otros, así como también ha trabajado con diversos directores y coreógrafos peruanos. El 2005 crea junto a Cori Cruz, Carola Robles y Karine Aguirre el grupo cuatro costillas flotantes.

En el 2009, después de esta travesía por su carrera artística vemos por qué es una de esas artistas que llegan a dominar y a hacer suyo el escenario cuando están en él. Su cuerpo esbelto y compacto se mueve y se desplaza de una manera natural por el espacio, sus fuertes extremidades se mueven con una delicadeza y sensualidad inimaginable, la expresión honesta y fuerte del rostro nos llena de sensaciones al verla, teniendo un increíble control que demuestra hasta cuando está absolutamente quieta.

Con su nuevo proyecto CORPUS BREVE, Pachi decide no estar en el escenario y enfocarse en dirigir esta propuesta que ha rondado por su cabeza desde hace 2 años. Deja de lado todo tema que se ha ido tocando en la danza… no busca comunicar ideas, ni emociones de manera lírica o abstracta sino que presenta un tema concreto, escoge el cuerpo en movimiento para que hable del cuerpo mismo.

Creando una propuesta innovadora, basándose en algo súper estructurado como nuestro cuerpo, llega a crear todo un mundo donde existe la comedia, el drama y situaciones imaginarias pero tangibles; al fin y al cabo se habla del cuerpo humano, algo que por mas diferente que sea en cada uno de nosotros, todas las personas lo tenemos en común.

Y lo más importante, este proyecto partió de ‘esta fascinación e interés por el cuerpo’ siendo una creación honesta que parte de ella pero nos involucra a todos.

Claro está que este montaje será un gran homenaje al cuerpo humano.

CORPU BREVE
Festival Danza Nueva 2009
18, 19 y 20 de Junio
7:30pm – Auditorio ICPNA de Miraflores (Angamos Oeste 120)
Dirección: Pachi Valle Riestra
Intérpretes: Denise Arregui, Cori Cruz, Miquel de la Rocha, Carola Robles, Miguel Angel Robles y Mónica Silva.
Producción: Walter Vásquez Díaz.
Luces: Rodrigo Benza.

* Las entradas ya están a la venta en el ICPNA.

In-SER-tidumbre: ¿Cruzas o regresas?

2009-06-09T21:09:00.000-07:00

Por Christian Villegas

Este miércoles 10 y jueves 11 de junio a las 8 de la noche, se presenta In-SER-tidumbre en la Casa Yuyachkani, el nuevo trabajo de Cristina Velarde donde bailan, además de ella, Lucía Bacigalupo, Fernando Escudero, Augusto Montero y Mónica Vergara.

La incertidumbre es la falta de un conocimiento claro y seguro sobre algo, donde la mente ya no tiene algo conocible donde adherirse sin temor a errar. Todos la enfrentamos alguna vez en la vida cuando nos hallamos ante una persona o una situación que puede ser el camino hacia la realización de nuestros sueños.

In-SER-tidumbre es una invitación a explorar aquello que ocurre dentro de ti en la búsqueda de una certeza que te permita continuar con tu vida. La directora parte de sensaciones, nacidas de experiencias cotidianas, para llegar a una interpretación existencial de la vida y de las relaciones humanas en los tiempos actuales.

Uno de los temas claves de esta obra es la incomunicación, donde a veces hablas de una cosa que el otro no entiende o interpretas algo bajo tus propios códigos sin considerar que el otro puede haberlo entendido de distinta manera, donde nunca llegas a decir lo que quieres decir porque la comunicación se corta, donde en medio de la soledad solo tienes la televisión para darte una respuesta que está en una onda distinta a la tuya. Te enfrentas al desafío de atravesar una puerta, te enfrentas al desafío de enfrentar aquello que no sabes si los demás entenderán. Preguntas como esta se plantea todo artista y los bailarines de esta pieza no son ajenos a ella.

In-SER-tidumbre como tal, es una obra que juega mucho con el ritmo y está basada en una serie de cuadros insertos que se superponen unos con otros donde no hay una historia fija ni un personaje principal. Cada movimiento es una búsqueda y en esa búsqueda, hay encuentros y desencuentros consigo mismo y con los demás: preguntas que son respondidas con algo que no esperabas, respuestas que a veces no llegan, caminos que se unen y se separan…

foto: Paul Mayca

Miras hacia un cielo errante tratando de alcanzar aquello que tanto anhelas. Y aunque no lo consigas todavía, sabes que cada paso es parte del aprendizaje y que cada experiencia esconde un mensaje para ti o para aquel que recoja ese barco de papel ahora que lanzas al río y que algún día servirá para seguir intentando alcanzar ese sueño.

Esta obra es como esos barcos de papel, simbolizado en los tubos de plástico que representan además un canal de comunicación entre los seres humanos, tan difíciles de entenderse unos con otros porque nunca se han atrevido a salir de si mismos. ¿Seremos capaces de desafiar lo ya conocido que hay en nosotros o nos dejaremos abrumar por la rutina para refugiarnos en la soledad?

Esta obra no da respuesta a esa pregunta. Esta obra muestra solo un camino. La clave está en atravesar esa puerta y enfrentar lo que hay dentro de ti. De modo que… ¿cruzas o regresas?

De viaje por Cusco - La Fiesta no termina en Paucartampu

2009-06-07T21:19:00.000-07:00

Por Luis Cisneros

El Sol comienza a despertar mientras cuatro personajes caminan lentamente para ser bendecidos con su luz. Una atmósfera disfrazada de amanecer nos traslada hacia la famosa fiesta de Paucartambo, donde cusqueños y viajeros de todas partes se reúnen a mediados de Julio para acompañar las coloridas celebraciones en honor a la Virgen del Carmen. Tras breves instantes de contemplación la música irrumpe en el escenario y los artistas comienzan a desplazarse entre danzas típicas y mágicos actos de acrobacia. Inspirada en las maravillas de este encuentro andino y religioso, esta obra de teatro- circo llega para sorprendernos a partir de una poderosa fusión de arte y movimiento.

Paukartampu, el último hit del grupo Kusikay, es, además de una obra interesante y auténtica, una especia de viaje futurista, ya que desde su estreno en Abril la gente ha comenzado a pasarse la voz para viajar en Julio de todas maneras y ser parte de esta gran celebración en vivo y en directo. A partir de un performance dinámico, ágil y lleno de bellas acrobacias, el espectáculo logra impactar y entretener al público, el cual también participa de las locuras de los Kusikay. A medida que la historia avanza los personajes circenses van contándonos - como en un cuento surrealista - los pormenores de una de las fiestas más increíbles en el ombligo del mundo.

La obra reúne personajes del campo, bailarines cusqueños envueltos en trajes típicos y vestuarios post modernos. Escenas que van acercándonos a una de las mejores celebraciones del Cusco, donde viajeros de todo el mundo y gente cusqueña de corazón asisten a este espectáculo místico, de magia, rituales y prójimos que danzan alrededor de la luna y el sol.
La historia de esta singular fiesta es narrada como en una novela breve, a través de situaciones cómicas, ágiles y contemplativas. La Virgen del Carmen es venerada entre acrobacias azules, danzas de fuego, malabares, bailes y una atmósfera llena de bohemia. Acompañados de un fotógrafo juguetón, un panadero enamorado, una ñusta seductora y un malabarista que vence su adicción alcohólica, el público va atravesando diversos espacios en busca de la esencia del mítico pueblo de Paucartambo, un festín que nadie de los que vea esta obra querrá perdérselo.

Los acróbatas fantasma, los cholitos que pelean por doquier, la pareja de esposos que venden pan al horno, las ruinas de piedra, los primeros rayos el sol, las estrellas que sobrevuelan el pueblo, el turista maniático de la fotografía y el pop corn, el contacto con la naturaleza, los animales de la sierra, la fuerza de este mundo mestizo, las máscaras rituales, los indios y los saltos mortales, la danza del fuego, el malabarista bailarín que se sobrepone a la resaca de varios días en tragos tras la desaparición de Margarita; las llamas gigantes (tiernos animales de gran valor simbólico), los toreros, las bailarinas de blanco y el brillo fugaz de los actos circenses; todos son parte de esta sensacional puesta en escena en las inmediaciones del Teatro Kusikay. Una obra que a través del juego nos enseña a estar alegres y nos traslada al corazón de una fiesta realmente impresionante.

César Aedo nos presenta un espectáculo inspirado en una historia particularmente cusqueña, llena de misticismo, enriquecida por la iluminación, el juego de las sombras y las proyecciones visuales que colorean el espacio. La creación musical, la ausencia de diálogos y el constante juego del movimiento son parte del imaginario Paukartampu, donde la imaginación, las interacciones con el público y un manejo rítmico del sentido del humor permite que la narración fluya, nos atrape y la gente termine contenta, sonriendo y algunos hasta bailando en medio del escenario. De esta manera una de las celebraciones más alucinantes de Cusco es retratada y llevada al escenario con magia, elegancia y brillantes actos poéticos, teatrales, circenses, cusqueños.

Ficha técnica:
- La Obra se presenta de Lunes a Sábado a las 7:30pm en el Teatro Kusikay, Calle Unión 117, Cusco, Perú.
- Precio promocional para cusqueños: S/.20 adultos y S/. 10 niños menores de 10 años
- Visita: www.Kusikay.com
- Contactos: info@kusikay.com / Teléfono: 51 84 255414
- Chaska fue la obra que catapultó al Grupo artístico Kusikay a la movida cultural cusqueña hace más de un año. Es así como empezaron a recrear, gracias a la magia del teatro, tradiciones andinas de gran valor simbólico, lo que les está permitiendo ser cada vez más conocidos y continuar difundiendo la riqueza de nuestras historias.
- Paukartampu es la obra que le da vida a esta segunda temporada, que va hasta el 18 de noviembre de 2009.

Cita textual de César Aedo:
“Como dramaturgo siento que Paukartampu es un homenaje a esta tierra resaltando las pasiones y el amor con el que los cusqueños viven su religiosidad y sus fiestas.”

Gracias al equipo Kusikay por las fotos brindadas.

SENSE FI / CONQUASSABIT: EN MEDIO Y DENTRO DEL HURACÁN

2009-06-07T13:55:00.000-07:00

Por Christian Villegas

Para conmemorar los 100 años del Teatro Segura, la compañía española de danza Gelabert Azzopardi, dirigida por Cesc Gelabert y Lydia Azzopardi, presentó la noche del 2 de junio su más reciente trabajo titulado "Sense Fi / Conquassabit".

La obra es un reflejo de la actitud interna del ser humano frente al ritmo de vida externo que le ha tocado vivir en los tiempos actuales, y está formada por dos coreografías creadas para diez bailarines, entre los cuales se encuentra el propio Gelabert quien participa de ambas piezas.

Sense Fi / Conquassabit, se estrenó en abril del presente año en el Teatre Lliure de Barcelona. Esta presentación forma parte de una gira que los lleva hacia Washington para terminar en el Festival de Edimburgo en Escocia.

Sense Fi

Sense Fi es un viaje hacia el mundo interior de Cesc Gelabert y en este sentido es una pieza para ser mirada de cerca. Sense Fi está cargada de primeros planos y de sensaciones que reflejan diversos estados de la persona, desde el instante más sombrío hasta la exaltación más extrema, donde la espera de algo se hace tan evidente que es necesaria una salida.

Como en los sueños, los bailarines se convierten en proyecciones de la imaginación del artista, creando una secuencia de cuadros, a veces paradójica (como cuando la mente mezcla situaciones tratando de jugar con las soluciones posibles al instante que se vive), que son un reflejo de lo que pasa en el ser humano cuando se halla frente a un momento incierto de su vida, donde por más que busque una salida solo le queda esperar, y entonces surgen las dudas y los miedos y la inevitable sensación de estar conciente de ellos y de no saber que sucederá o como cambiarán las cosas a partir de allí: una espera orientada hacia un futuro que siempre está en movimiento, al igual que la vida que es cambio constante.

Esta coreografía cuenta con una partitura original de Pascal Comelade, que contrapone en dos planos distintos la fluidez de la vida (magistral el profundo sonido del cello) y los ruidos externos provenientes de silbatos, cornetas de juguete y otros instrumentos propios de la música de Comelade, que por momentos incomodan y distorsionan esa fluidez, pero que sirven el artista para transformar la situación y sobreponerse al momento que vive.

Conquassabit

Conquassabit es una palabra latina cuyo sentido original implica convulsión, sacudida y aceleración. El título proviene del Salmo 110 de un Oratorio de Haendel y la coreografía es un homenaje por los 250 años de su muerte.

Más que una pieza personal, nos enfrentamos a un paisaje urbano donde todo está conmocionado. Cesc Gelabert se las arregla para crear él mismo un personaje con un bastón dorado en la mano que marca la pauta de un pulso creciente el cual transita entre la aceleración y la quietud, que por momentos absorbe y por momentos expulsa, cual huracán que arrastra a los bailarines y los envuelve en un ritmo cada vez más dramático.

Conquassabit mezcla fragmentos vocales e instrumentales de Haendel cuyo tempo remite al ritmo de vida actual donde lo ideal es estar en el centro del huracán, un momento de pausa en medio de la devastación donde todo está tranquilo. De hecho, la búsqueda del artista en toda la obra apunta a encontrar un lugar interior donde solo hay paz en medio de la agitación que nos rodea. En palabras del propio Gelabert: "enfrentar el Conquassabit con la actitud del Sense fi".

Foto: Augusto Carhuayo

Después del huracán

Un detalle que notamos es que a diferencia de la pieza original, faltaron varios elementos de escenografía, no sabemos si por costos de traslado, por retenciones en aduana, porque no se adaptaron al espacio o porque sencillamente quisieron presentarlo así. Por ejemplo, en Sense Fi hay una escena con grandes cubos de hielo iluminados que remiten a la memoria y al dolor, como si fueran fragmentos de tiempo congelados que el personaje guarda dentro de sí. Estos y otros elementos pueden apreciarse en el reportaje que hace el programa La Mandrágora de la TVE, el cual lo pueden encontrar en You Tube.

Sense Fi es otra pieza con sus elementos completos, sin ellos, el espacio queda demasiado grande. No pasa lo mismo en Conquassabit donde la fuerza de la coreografía es tal que la energía de los bailarines desborda el escenario. Imagino que Sense Fi está hecha para presentarse en un espacio más reducido mientras que si presentamos Conquassabit en un espacio así, prácticamente reventaría.

Con todo, esta agrupación se merece un gran aplauso, no solo por la gran calidad de sus bailarines sino también por el trabajo que significa el presentar una pieza de este nivel. Nuestro agradecimiento especial al AECID y a todos los que hicieron posible la presencia de esta prestigiosa compañía en nuestra ciudad, y también por permitirnos verlos de manera gratuita y en un espacio como el Teatro Segura: un gran regalo para aquellos que aman la danza contemporánea en el Perú.

DIA INTERNACIONAL DE LA DANZA - ESPACIO ABIERTO

2009-04-03T19:21:00.000-07:00

En 1982, el Comité Internacional de la Danza del Instituto Internacional de Teatro (ITI Unesco) fundó el Día Internacional de la Danza, para ser celebrado el 29 de abril de cada año. La fecha conmemora el cumpleaños de Jean-Georges Noverre, quien nació en 1727 y fue un gran renovador de la danza. Todos los años, el mensaje de una reconocida personalidad de la danza es enviado alrededor del mundo. Aquí algunos de ellos:

“La danza no requiere ni de pluma ni de pincel. Un solo instrumento es necesario, el cuerpo humano, que sabe bailar que sabe ir. La danza exige de cada uno de los que se ponen a su servicio una fuerza de voluntad para proseguir un aprendizaje largo y difícil. Esto moldea el carácter lo mismo que el cuerpo, y las recompensas de tal devoción son del tipo de un ciento por uno. Ninguna otra libertad se asemeja a la que se obtiene mediante el dominio del espíritu sobre el cuerpo.. “

Preah Bat Samdech Preah Boromneath Norodom Sihamoni
Rey de Camboya

“La danza es un lenguaje universal, es emisaria para un mundo pacífico, para la igualdad, tolerancia y compasión. Ella nos enseña sensibilidad, conciencia y a tomar atención al momento. Es una manifestación de estar vivo… ubica el alma, le da al cuerpo una dimensión espiritual”.

Sasha Waltz, bailarina y coreógrafa alemana

En el marco de celebraciones por el Día Internacional de la Danza,
Bienestar Universitario y el Taller de Danza Contemporánea de la Universidad de Lima presentan Espacio Abierto, creadores de danza y movimiento en un espacio para compartir propuestas y celebrar esta fecha, bailando.

Escuela Andanzas de la Pontificia Universidad Católica del Perú - Mirella Carbone
Escuela Danza Viva - Morella Petrozzi y Claudia Odeh
Espacio Danza - Patricia Awuapara
Kinesfera - Michel Tarazona
Cuatro Costillas Flotantes - Pachi Valle Riestra
Danza Fusion - Fay Castillo
Danza ULima - Carola Robles
Agarrate Catalina Talleres - Cori Cruz
El Otro Cuerpo - David Sánchez
Cristina Velarde
Samuel Dávalos
Mónica Silva
Anai Mujica
Olivia Vallejos
Juan Carlos Ruiz
entre otros..

Miercoles 29 de Abril
Auditorio Central, Universidad de Lima
7:30pm (hora exacta)

I N G R E S O L I B R E

ver programa: http://fresno.ulima.edu.pe/wu/wube_bd001.nsf/NotasInteres/3E93071EE745EC8705257582005261E1?OpenDocument

Actividades por el Día Internacional de la Danza 2009 - Consejo Nacional de Danza
25 de abril/ 4:30pm: I Concurso de Danza Urbana en Parque de la Amistad de Surco
25 de Abril/ 11:00am: Festival de Danza 2009. Auditorio Central, Universidad de Lima – Organiza Ministerio de Educación - DIPECUD
26 de abril/ 3:30pm: III Festival en el Parque de la Amistad - Surco
27, 28 de abril/ 7:30pm: Celebraciones: “Solos y Dúos” / ICPNA de Miraflores
29 de Abril/ 7:30pm: Espacio Abierto - Creadores de Danza y Movimiento – Auditorio Central de la Universidad de Lima.
29 de abril / 7:30pm.: XXI Celebración del Día Internacional de la Danza - Teatro Segura
30 de Abril/ 7:30 p.m.:VIII Fiesta Internacional de Teatro de Calles Abiertas FITECA 2009/ Comas – Av. Miraflores 2650. La Balanza – Alt. Km 11 Av. Túpac Amaru
3 de Mayo/ 4:30pm: Clase Abierta “DANZA TOTAL” Plaza Mayor - Municipalidad de Lima.
22 de Mayo/ 7:30 p.m.: 3er Festival de las Artes “Por Una Comunidad Sin Violencia” – Villa El Salvador – 38 Aniversario del distrito y 10º Aniversario de CIJAC / Parque Central del Grupo 02 del 7º Sector- VES

Clase al aire libre - verano 2009

2009-03-15T16:55:00.000-07:00

Como cierre de los talleres de verano, el pasado viernes 27 de febrero realizamos una clase - muestra al aire libre con la finalidad que los alumnos bailen fuera del salón de danza y experimenten otros estímulos: la gente que transita, el sol del medio día, los sonidos, la ausencia de paredes, las cámaras de fotos, las miradas de los espectadores...

Gracias a todos los que participaron de esta sesión renovadora.

Fotos: Luis Cisneros y Paul Mayca

Clase con Andrea Navea

2009-02-15T10:54:00.000-08:00

Hace unas semanas tuvimos el gusto de recibir a la bailarina Andrea Navea, quien nos ofreció una clase muy especial acompañada de música en vivo. La clase consistió en un entrenamiento de técnica Flying Low buscando las primeras nociones de contacto con el suelo, entradas y salidas de el. En la segunda mitad de la clase trabajamos el encuentro con los compañeros, el silencio, la escucha, rolar, deslizar, apuntando a entrar en el contact-improvisacion.

Andrea Navea Valenzuela estudió Técnica Leder en la escuela de danza espiral en Santiago de Chile con el maestro Patricio Bunster y después en Argentina con maestros como Cristina Turdo, Ana Garat, Rodolfo Prante, Eugenia Esteves, Carlos Casella, perfeccionando en Flying Low y Contact-Improvisacion.

En mayo y junio, Andrea volverá a Lima a montar una obra para el Centro Cultural de España.

Muchas gracias a ti y a tus compañeros por tan linda sesión.

fotografías: Sebastián Navarro

TALLERES DE VERANO

2008-12-10T14:31:00.000-08:00

Del Otro Lado - Fotos de la obra

2008-11-09T10:41:00.000-08:00

Danza ULima presenta Del Otro Lado

2008-10-15T22:23:00.000-07:00

“La vida está en otra parte”
Milán Kundera

Del otro lado me despierto y no me reconozco. Me quedo atrapado en el camino sin saber qué elegir. No hemos dormido juntos, no sé dónde están mis amigos ni a dónde se fue la última persona que quise tanto.
Nos miramos en el espejo y nos reconocemos en la mirada de los otros; la soledad nos invade, nos desespera, nos hace sentir vacíos y a la vez nos despierta, nos ayuda a recordar los sueños que tuvimos hace tiempo, las cosas que escribimos en alguna parte y perdimos de vista.

Caminamos hacia otras partes de nosotros mismos, envolviéndonos en un viaje fuera del tiempo que nos llevará por distintos momentos, etapas raras del amor, donde las emociones y las ausencias servirán más que nunca para encontrarnos y recuperar el valor de lo perdido, haciéndonos comprender que la vida no es más que una absurda y maravillosa realidad, un tren de emociones, de búsquedas y sueños que están del otro lado, ese lugar que solo nosotros conocemos, o creemos conocer.

DEL OTRO LADO
Dirección General: Carola Robles
mie. 22 de octubre a las 7:30p.m.
Auditorio Central de la U. de Lima
Ingreso libre
informes: 437 6767 anexo 30771

ULTIMA FUNCION: lunes 10 de noviembre a las 8 p.m.
Auditorio Central de la U. de Lima
Ingreso libre

FOTOS danza ULima

2008-10-08T15:02:00.001-07:00

Created with Admarket's flickrSLiDR.

GUILLERMO CASTRILLON - Segunda parte

2008-09-14T08:41:00.000-07:00

Por Christian Villegas

¿Como relacionas tu vida con las cosas que haces? ¿De donde sacas tu inspiración?

Escrito por una Gallina - Foto Luis Cisneros

Yo creo... o sea, el arte está en la vida. El arte es la vida. No es algo que se crea de la nada, no es algo mágico, no es algo que venden los dioses, el arte es la vida misma y está ahí, para mi está completamente ligada. Lo que hace uno como artista me imagino es reinterpretar la vida, ¿no? Porque te dedicas a eso, a diferencia de otras personas con oficios muy necesarios y vitales en la vida que no tienen tiempo para que uno se dedique a lo suyo, a lo que se dedica un artista es justamente a reinterpretar la vida para volverla a mostrar. Entonces el arte es una forma de vida. Todo tu cotidiano, todos tus días tras días, tienen que ver con eso: sentir el milagro de la vida, y las cosas buenas y malas que tiene, sentirlas. Con respecto a la danza me considero no un bailarín técnicamente muy dotado, nunca lo fui creo, pero sí un bailarín nato, me gusta bailar de todo y en todo rato. El movimiento acá en mi casa es una cosa que está muy conciente, como el lenguaje corporal, como el lenguaje cotidiano. Me imagino como un psicólogo que puede leer cada gesto de una persona e interpretarla. El cuerpo habla todo el rato, los gestos... porque también hay mucho inconsciente en eso. Uno puede leer mucho: la actitud corporal, los gestos corporales, cotidianos, para mi todo eso se convierte en un lenguaje que puede estar inmerso en el lenguaje de la danza. Es como que todo lo que pasa durante todo el día, todo todo, poniéndole un poco de sensibilidad y conciencia, te influye, tiene que ver con tu trabajo. Esta conversación, esos cojines, todo lo puedo relacionar. Por algo está y está pasando, hay que leerlo, atento a las casualidades, a las coincidencias... Entonces el arte es la vida, no hay manera de separarlos. No considero que sea un oficio el arte. O sea un oficio es lo que aprendes. Hay actores, bailarines, músicos, poetas, esos son oficios. Esas son cosas que aprendes y son oficios. Pero creo que el arte va más allá de eso: altruista totalmente.

¿Cómo te ves de aquí a diez años?

Ojalá que igualito. Joven y fuerte. Mi sueño, mi ideal, sería comenzar a escribir. Para lo cual tengo que comprar una laptop, lo que te permite hacerlo de manera más fácil. Entonces de acá diez años, que ya tendría 50, quisiera comenzar a escribir todo esto que lo tengo un caos en la cabeza, sistematizarlo. Ojalá sin mucha pretensión poder escribir un poco de teoría del arte, teoría de la creación artística en vivo. O sea todo esto que te hablo, todo lo que hablo en los ensayos, todo que lo tengo desordenado, poder escribirlo. Después me imagino que voy a seguir haciendo obras, o sea no voy a parar, y si algo bueno tiene la vejez es la sabiduría y hay que saber aprovecharla.

¿Estás trabajando ahorita en algún nuevo proyecto?

Sí, en setiembre es el festival 100% cuerpo en la Alianza Francesa, un festival durante cinco semanas donde le dan una semana a cada director. Comienzo a ensayar un proyecto nuevo, cuyo equipo tiene una base actoral, no quiere decir que vaya a usar el lenguaje actoral pero estoy trabajando con actores que se mueven mucho, o sea muy físicos, están Jaime Lema, Melania Urbina, Vanessa Oviedo, Mónica Silva, Sandra Bonomini y Samuel Dávalos. Y estoy tratando el tema de la sanación.

¿Sanación?

Sanación espiritual, psicológica, que en realidad no sería la sanación sino la búsqueda interna de tu yo para saber como está. Yo creo que muy poca gente se atreve a detectarse y a diagnosticarse que pueda estar enfermo. Y los pocos que se atreven a reconocerse enfermos son los pocos que se atreven a buscar una solución, una sanación, no? Creo que en estos tiempos modernos de libre mercado, modernidad, todo mundo ahora... cobras y te vuelves un administrador, todos tienen tarjeta de crédito, cinco a veces, ahora que es tan fácil, compran su televisorcito... Toda una prosperidad económica que está fomentando el tipo de política económica hace que se olvide el desarrollo espiritual, emocional, psicológico, lo cual conlleva creo a cada vez crear más depresión. Hace 20 años no se hablaba tanto de depresión, ahora la depresión es una enfermedad muy común en todos. Creo que eso causa esta modernidad entre comillas. Hay cada vez más enfermos del alma por decirlo así, pero muy pocos se atreven a reconocerse y a diagnosticarse. Creo que por ahí va, no? Porque estoy rodeado de gente cercana como yo que busca su sanación, busca, qué se yo, psicoanalista, chamanes, alimentación, mate de coca, entonces más o menos todo el equipo anda por ahí en esa conciencia.

Para mas informacion sobre Lato Sinistra, aqui un link a la entrevista de La Casa que Baila

¿Como ves a la danza en la escena cultural limeña? Te atreverías a dar un panorama?

Como la veo? Mmm. La veo... ojalá no ofenda a nadie ni quiero ofender ni creerme dueño de la verdad, pero muy pobre, no? Igual que el teatro. Muy poco riesgo, muy poco sello personal, muy repetitivo, es "la misma chola pero con diferente calzón", se repiten las cosas, no hay riesgos, innovación, no siento esa cuota personal del artista lo cual crearía una aproximación, una originalidad, un sello. En la danza, particularmente, todavía una preocupación, lo cual siempre está implícito, por la forma, la técnica, en ese sentido lo veo superficial, y encima con muy pocos bailarines que puedan llegar a un nivel exquisito a eso. No hay una búsqueda de una propia danza contemporánea, cultural, digamos, de esta zona. Ponen por allí a un indígena hermoso en mallitas violetas a tratar de alzar las piernas como un bailarín danés y se ve fuera de contexto y se ve mal. En vez de hacer cosas más terrestres, más pegadas a la tierra, más pegadas a sus tipos de danzas que vemos acá. No hacer lo mismo, pero, no sé, influenciarte del danzante de tijeras... Fuera de eso, a nivel de propuestas, muy pobre, lo cual creo que ha causado un ausentismo del público en la danza, se va mucha gente porque se aburre. Si la gente misma de la danza se aburre, los que están al alrededor van a verla una vez y dicen: me aburrió. Y nunca más van. Entonces ellos mismos tienen la culpa pues. Falta gente joven, gente nueva, que rompa, que mate a los maestros, sino están repitiendo... En el teatro es más claro también, los jóvenes directores talentosos están repitiendo a sus maestros, o sea son los viejos con cosas más modernas, multimedias tal vez, y obras interesantes pero es el mismo lenguaje y no están rompiendo.

Aparte de danza, ¿a que otra profesión te dedicarías?

A ser chef, que todavía a veces lo pienso, pero no queda tiempo. Y al surfing, pero ya no tengo edad para volverme un pro del surfing. Igual corro, ¿no? Cosa que aprendí por el arte también, a los 36 años, tarde, pero decidí hacerlo, y ahora, bueno, ya lo puedo hacer bien, lo hago casi todos los días. Creo que eso es algo que me enseñó el arte: a amar la vida, sentirte vivo, buscarte en estados y momentos y tiempos donde te sientes MUY vivo, muy vivo, y no tiene explicación lógica esa sensación... No creo en la reencarnación, entonces nada de que la próxima vida lo haré. Ahora o nunca. Ese ahora o nunca es también lo que el arte me enseñó. El arte me enseñó a amar la vida y no solo amarla sino cogerla y sentirla a un extremo. Creo que el arte es lo que hace que... que no me suicide pues.

EL ARTISTA DEL MES

2008-08-17T11:59:00.000-07:00

Guillermo Castrillón
Primera Parte
Por Christian Villegas

¿Cómo así entraste al mundo de la danza, qué te llamó, cómo fueron tus inicios, cómo empezaste a formar parte de este mundo?

Cómo empecé... Yo estudiaba teatro en el Club de Teatro de Lima, lo cual no es una escuela muy rigurosa, pero siempre sentí la necesidad de moverme en el segundo año. Entonces, en el tercer año busqué un taller de expresión corporal, en Danza Lima me acuerdo, con Lucho Peñaherrera, y al final hicimos una pequeña muestra y a esa muestra fue José Enrique Mavila, quien me vio y me convocó para un concurso, en ese entonces el primer concurso de coreografía nacional, que fue en La Cabaña en el año 88, y en ese concurso se presentaron todos los grupos de danza de esa época que yo no tenía ni idea. Ese fue mi primer encuentro con el mundo de la danza, allí yo comencé a ver a las chicas que calentaban, se estiraban... paradójicamente ganamos el concurso empatando el primer lugar con Integro que cambió mi vida. Allí tuve mi primer encuentro con la danza de verdad. A los meses, José decide armar el grupo "Acero Inoxidable", al cual también me invita, y nos mete a clases de danza moderna y de ballet, y allí esa inclinación intuitiva que yo tenía por lo corporal, por moverme, por bailar, comenzó a formarse escénicamente. Ya desde ahí seguí solito, tomando clases por todos lados, es decir, como no hay escuela acá, tenía que darme mis propios horarios y tomaba seis horas de danza diarios por aquí y por allá.

¿De dónde nace Box? ¿Qué aspectos de tu vida te llevaron a Box? ¿Cómo llegaste a Box?

Ultimamente cuando hago mis trabajos busco que vengan de una necesidad personal y real, muy real a nivel interno, no busco pretextos externos o temas que parezcan simpáticos y que tengan algún interés intelectual por allí, busco una cosa mucho más personal, intuitiva. Entonces si bien hace cinco años, el tema "mira la comida", era algo vital, algo real en mi vida, porque yo cocino mucho, y de ahí mucha conciencia hacia lo que me administro como comida, creo que ahora mi tema es el mundo femenino. Toda mi vida he sido femino-dependiente, toda mi vida he recibido mucha influencia de parte del mundo femenino desde mi madre, hasta mis novias, amigas, que se yo, mi mundo, mi lado femenino, mi intuición, entonces, decidí pues agarrar el toro por las astas y decir: ese es mi tema, el mundo femenino con toda esa amplitud que me sirve de inspiración. Y cuando reuní a las chicas y me preguntaron cuál va a ser el tema, les dije: bueno, ustedes pues, no?, ustedes van a ser el tema, ustedes son cinco mujeres y me imagino que hablaremos del mundo femenino. Entonces yo considero que si bien no es el inicio, porque creo que con "Escrito por una gallina" con Jimena ya estaba abordando el tema femenino de manera no muy conciente, ahora sí es el inicio de una investigación de este mundo femenino, meterme, porqué me influencia tanto, porqué me tumba tanto, porqué tiene tanto poder sobre mi... Y en eso estoy, mas bien a seguir investigando con eso. Porque yo puedo pensar: bueno soy un heterosexual que siempre me han gustado las mujeres, hijo único de una madre, y ya pues, me gustan siempre las mujeres, pero creo que va mucho más allá, ¿no? Es mucho más complejo.

De hecho. ¿Y porqué escogiste a esas cinco bailarinas específicamente?

No sé. Por pura casualidad. En primer lugar yo estaba haciéndole luces a las Cuatro Costillas Flotantes, el grupo de Pachi, Carola, Cori y Karine. Entonces yo me había alejado un poco del mundo de la danza, me había un poco desilusionado, un poco no me atraía mucho, estaba más dedicado a la performance... y me convocaron para hacerles luces a estas chicas, y las vi bailar, y me pareció maravilloso, me recuperó el gusto, bailan exquisito y al verlas bailar me enamoré otra vez de la danza. Muy bacán, me enamoré como al inicio. Entonces les propuse trabajar. Yo quería volver a trabajar con danza, ellas querían trabajar un poco más con performance, acercarse más al público, tener un contacto más directo, tumbarse esa cuarta pared invisible del teatro y entonces nos acercamos y decidimos ya, la hacemos. Por ahí apareció Cristina Velarde, que estaba haciendo su montaje "Hacia el cielo errante", y también me pareció maravillosa como bailaba, entonces la invité al proyecto. Allí conocí también a Mónica Silva, que yo estaba haciendo luces a su montaje, y me puso las pilas para iniciar el proyecto, atreverme, porque siempre da un poco de miedo, hasta flojera porque es toda una aventura, meses, sin dinero, entonces es bien pesadito, un poco sacrificado, cuesta a veces decidirse iniciar, y ella me ayudó dándome el último empujoncito. Entonces eran seis: las Cuatro Costillas más dos invitadas, salió Karine por razones personales y quedaron cinco.

¿Que diferencias encuentras tú entre la danza y la performance a nivel de lo que quieres expresar?

Bueno la performance tiene sus propias características que lo diferencian del teatro tanto como de otras artes escénicas. En la danza suelen también agarrar elementos teatrales en el sentido de que también buscan interpretar historias o personajes, buscan representar a través de esta cuarta pared invisible del teatro. Hay una lejanía con el público, hay una introspección en ese sentido. Y bueno, usa principalmente el lenguaje de la danza para comunicarse, sea contemporánea, moderna. En la performance se trabaja en tiempo real, presente, de manera personal, tratas en primera persona, no estás representando ningún personaje, ligeramente conlleva a la autoría de tus propios temas, se tiene mucha conciencia del espacio, tiempo, la relación directa con el público, más íntimo, y un especial cuidado de lo que es el concepto, la idea, muy trabajada, muy estudiada, muy discutida, hablada, qué se yo. Estar. Entonces ya de por sí creo que eso crea la diferencia con otras artes.

Cuando empezaste a hacer Box, ¿tenías alguna especie de guión? ¿Cómo nacieron, las coreografías? ¿Empezaste el proceso de frente, propusiste una idea, dijiste acá va esto y acá hacemos lo otro?

No, no. Yo trabajo muy intuitivamente, muy intuitivamente, lo cual viene, me imagino, de mi escuela que ha sido Integro durante diez años, trabajando la intuición con las cosas... casualidad, mientras uno sea honesto consigo mismo, realmente honesto, sincero, y no hacer fintas, no tratar de impresionar o hacer más de lo que uno es. Obviamente hay todo un background, un bagaje de experiencias. Ya diez años dirigiendo, ya tienes el oficio, eso te permite desterrar todas las técnicas para crear y dedicarte solamente a la intuición y últimamente me entrego a ese caos, a ese inconsciente. El inconsciente habla solo y habla la verdad, mucho más que la conciencia, y hay que dejarlo salir, todo pasa por algo, entonces en Box... obviamente hay un plan y una estructura por otros lados como que digamos decidir empezar a ensayar individualmente con cada una durante un mes, entonces me tenía que subdividir en 80 ensayos a la semana, tenía 3 o 4 días con cada una, entonces ensayamos acá en la sala, una a una, una cosa íntima, e imagino que eso después fue dándole forma al asunto íntimo, personal, porque eran ellas improvisando y contándome su vida y sus cosas que en realidad inclusive empezó primero con entrevistas, cada una, personales, donde me contaron toda su vida, desde niñas hasta la actualidad, acá en la sala, después los ensayos, y después ya al segundo mes recién las junté, y en esa combinación de actos, ya sin proponerlo, comienzan las casualidades, a armarse las cosas solas, en realidad se arman solas, no me gusta preconcebir, no me gusta imaginar, me considero super creativo, pero trato de no usarlo. Me parece, en mi caso, si es creativo es muy fácil, entonces más difícil es confiar de que las cosas se dan solas, o que vengan de otro lado, o que aparecen, que vas a tener que saber reconocerlas o interpretarlas pero no proponerlas directamente. Ya hacia el final obviamente, en las últimas dos semanas, recién comienzas a estructurar, lo cual hace que pongas muy nerviosas a las bailarinas, perdidas, no? Que va a pasar? Pero hay que confiar. En esa espera, y en esa confianza obviamente, te pones también nervioso, nunca sabes que va a salir y si va a salir bien o no. Pero hay que confiar. Hay que confiar en que tú has sido honesto, que las chicas han sido honestas, y que tenemos un oficio atrás que nos va a respaldar y va a salir algo bueno. Esa honestidad después obviamente la filtras, la contextualizas, y lo que era un proceso se convierte en una obra de arte. Es como la teoría del caos, o sea, tiene sentido, el todo se da por algo, las fuerzas acertoras, detractoras… Todo pasa por algo. Es como reunirme con los bailarines sin ningún plan de ensayo, solo reunidos en un espacio mirándonos las caras y diciéndonos: bueno, y, que pasa? Algo va a pasar. De todas maneras va a pasar algo pues estamos vivos. El tiempo no para, el reloj transcurre los segundos y no para, y es la vida. Entonces algo va a pasar.

Me has dejado pensando. ¿Las cajas tienen que ver con este lado inconsciente? ¿Qué significaban, qué representaban para ti las cajas? ¿Y por qué tienen espejos?

Bueno, en un momento apareció la frase de cuando una mujer se abre, en parte de esa investigación femenina. Entonces para mi, un ejercicio para desarrollar mi investigación era cuándo una mujer se abre. Y después obviamente saltó la pregunta de porqué yo quiero abrirlas. En ese interín de preguntas de abrir, apareció una caja. Una caja es cerrada pero también se abre. Entonces se me ocurrió que trabajen con ese único elemento: las cajas. Porque esa era la metáfora, que ellas eran una cajitas negras, oscuras, incógnitas, misteriosas... Al decir negras no quiere decir negativo pero sí oscuridad, misteriosa y casi infinito, profundo. Entonces yo las visualizaba como unas cajitas. Después también coincidió que yo regresaba a un escenario después de cuatro o cinco años, porque había rechazado el escenario mucho tiempo, lo había negado como espacio convencional, estaba pensando más en espacios alternativos. Y el teatro, el escenario, es una caja negra también. Entonces por ahí se empezaron a atar los cabos, como te digo, casualmente, entonces regresa uno al escenario y dije: es una caja negra. Entonces le puse las telas negras, el piso negro, tal cual convencional, y las cajitas negras, y dije: bueno, por ahí va a haber un minimalismo, ¿no? Porque no hay mucha escenografía, todo es negro, muy simple, muy austero, poco emocional. Todo el resto del espacio, de elementos, es simplemente minimalista, justamente como para resaltar a ellas, en contrapunto a esta simpleza y austeridad. Entonces esa era la metáfora de las cajas: abrirlas y cerrarlas. Ellas, su mundo, ellas. Y en un momento saltó el tema de que es una confrontación con ellas mismas, una búsqueda, una investigación personal de ellas. Entonces, era el verse, no? Yo necesitaba que ellas se vieran en esa caja negra, oscura, profunda, necesitaba que ellas se vieran personal, directa e individualmente. Entonces le puse un espejo, y allí salió. Y los espejos me regalaron rayos y luces y reflejos, y entonces ya todo es casual y bienvenido.

¿Que respuestas del público? ¿Crees que Box tuvo una buena acogida? ¿Cómo sentías el momento en que veías tu obra?

Bueno, la palabra triunfo no existe y a mi me aterra. Me parece espantoso decir "triunfamos", bueno, "un éxito", la palabra éxito mejor dicho, me confundí, pero bueno, va por ahí, no me gusta usar mucho esa palabra. Podría decir que causó un impacto más allá de lo que yo esperaba. Lo que pasa es que yo como director, mi espacio, mi tiempo de placer como público, son los ensayos. En los ensayos es donde yo disfruto, me conmuevo, me emociono, recibo de ellas. Cuando se estrena, creo que es el tiempo de ellas, nada más, y yo estoy allá arriba en la cabina haciendo luces, y estoy super lejos, con todas las nucas del público delante de mí, y ya no siento mucho, como que no la puedo disfrutar mucho. A ese nivel ya no se si está bien o está mal la obra, que tanto impacto está creando, estoy muy lejos, pero bueno, con el convencimiento que yo ya sabía que eso iba a pasar porque en el proceso, como te digo, yo lo sentía. Es como que en los ensayos ellas se abrían, me hablaban cosas y a mi me conmovía su sinceridad, su necesidad era tan potente que yo decía: esto es suficiente, suficiente para convertirlo en una obra de arte, suficiente también para que el público se conmueva, yo quisiera que el público vea lo mismo que estoy viendo ahorita. Y allí me encargo de atravesar el proceso, filtrarlo, para que el público lo vea, ponerlo en un contexto, darle una estética, para que el público también vea lo que he estado viendo todos estos meses de ensayos. Ahí creo que hay un logro. Ya en la temporada, en las funciones, estoy un poco más alejado. Pero el impacto que causó me sorprende un montón. No esperaba que fuera tanta gente. Aparte no solo el público de danza, que generalmente no te llena una temporada, y sin embargo toda la temporada se llenó, todas las funciones estuvieron llenas y sobreexcedentes. Entonces convocó a otro público: público del teatro, público del cine, público x, público cotidiano, gente de todos lados empezó a aparecer. Muchos comentarios positivos hasta ahora, llamándome, escribiéndome, entrevistándome, gente muy conmovida hasta las lágrimas, eso me sorprende, pero me imagino que debe haber gente que no le haya gustado también pero que no aparece, debe haber, no mucho tampoco, porque se sentiría, pero por ahí debe haber público que no le gusta, o que no lo entendió, o que no le tocó, no se, depende de la posición como lo vea, susceptibilidad, etc., pero eso no aparece, no me lo dicen, lo cual me gustaría porque podría ser algo constructivo, no? como crítica, análisis, no se. Pero sí, causó un impacto enorme.

¿Te animarías a montarla de nuevo?

Hay esa intención. Pero parte de las chicas del grupo tienen otros compromisos. Ese es el problema de trabajar con chicas tan talentosas y ya profesionales. Tan con otras temporadas ya comprometidas de antemano, entonces ha sido casi imposible. Queremos reponerla, ellas también están muy felices, con esta respuesta del público se han sorprendido, y están con ganas de reponerla, pero no hay tiempo y tampoco hay mucho espacio porque los teatros están ya copados todo el año. Entonces lo único que me queda es colarme en la temporada de alguien. Igual creo que funcionaría.

DANZA NUEVA 2008

2008-08-03T23:04:00.000-07:00

Por Aymé Jara
(fotografías de Diego Gargurevich y Luís Cisneros)

Ballet de Londrina

Durante 6 semanas hemos podido disfrutar de Danza Nueva: XX Festival Internacional de Lima, cuyo lema fue 20 años celebrando el arte del movimiento, organizado por el Instituto Cultural Peruano Norteamericano (ICPNA). En la edición de este año participaron 6 compañías que nos deleitaron con coreografías y obras originales. El espectáculo fue muy bueno y las clases maestras muy interesantes. Los niveles técnicos y artísticos de cada una de las compañías fueron muy altos y colmaron nuestras expectativas.

La Manga, Video y Danza

LOS PARTICIPANTES

Juilliard Dance - USA
Seis integrantes de la Compañía, en esta ocasión acompañados por el maestro Alphonse Poulin, participaron con coreografías frescas, dinámicas, juveniles y originales. Todas las coreografías presentadas se encuentran dentro del formato de la danza contemporánea y fueron muy bien recibidas por el público que no se cansó de aplaudir en todas las presentaciones y que agotaron las entradas con mucha anticipación. Podemos llegar a reconocer en Juilliard Dance a talentosos profesionales de la danza que saben llegar y mantener una conexión con el público. Collin, Adam, Carolyn, Chanel, Nigel y Brett compartieron con nosotros obras creadas e interpretadas por ellos mismos y por coreógrafos reconocidos. La variedad de las piezas presentadas y la destreza de los bailarines es lo que resaltamos de la compañía.
Aqui un video del trabajo de los bailarines en Tanzania:

Mark foehringer dance Project/SF - USA
Ballet Nacional - PERÚ
En la segunda semana del festival, pudimos apreciar la obra de Mark Foehringer. Su obra la podemos ubicar dentro del formato clásico. La participación de los integrantes del Ballet Nacional fue acertada y acorde al nivel de los bailarines de San Francisco. Lo más impresionante de esta compañía fue la sincronía y el trabajo coreográfico que se nota desde el principio hasta el fin.

Compañía de Danza de la Universidad de Costa Rica – COSTA RICA
El Réquiem de Mozart fue llevado a la danza contemporánea. La versión completa de la obra está preparada para ser interpretada en un gran escenario con música y coros en vivo. En esta ocasión – y para el festival – la compañía contó con una pista musical, que sirvió de guía a los bailarines. El vestuario estaba inspirado en la época antigua pero con toques modernos adaptados a la danza. El nivel de los bailarines era muy parejo y la interpretación fue bastante sólida.

Ballet de Londrina - BRASIL

La obra presentada fue Decalque, una representación inusual en varios aspectos de Romeo y Julieta (obra de Shakespeare llevada a la danza en varias oportunidades por numerosas compañías de ballet clásico). La obra mantuvo la música clásica del ballet, sin embargo la propuesta coreográfica estuvo ubicada dentro de la danza contemporánea. Nos sorprendió la gran destreza acrobática y resistencia física de los bailarines en escena, la originalidad de la propuesta presentada, y el predominio del uso de los niveles medio y bajo. La obra duró un poco más de una hora, sin embargo el tiempo que les tomó armarla fue de aproximadamente 5 años. Con un vestuario y un estilo minimalista y sobrio, lograron que el centro de atención sea el movimiento, que por momentos resultó muy emocionante y expresivo.

La Manga, Video y Danza - MEXICO
Una propuesta distinta que emplea la tecnología como complemento y quizás como protagonista – junto con la danza – en una obra bastante singular y fuera de lo común. Los bailarines, maestros y equipo de la Compañía nos contaron que se trata de la presentación de la tercera parte del desarrollo del tema de Violencia y Belleza y que la obra presentada se centra más en lo que es belleza. Algo que nos llama la atención es la inspiración que tuvieron en el flamingo y como profundizaron su investigación para lograr un resultado parametrado y dinámico que conjuga originalidad y técnica.

El Colegio del Cuerpo - COLOMBIA
En la semana final del festival se presentó el Colegio del Cuerpo. Cuatro de los bailarines de la Compañía, acompañados del maestro Alvaro Restrepo y su equipo técnico, presentaron coreografías propias. De ellas podemos resaltar la fuerza y definición del movimiento, así como las características inherentes de cada bailarín – que dicho sea de paso ya llevan alrededor de 10 años de formación en danza.

LAS CLASES MAESTRAS
“Cada maestro siempre nos deja algo” fue la frase con la que Alvaro Restrepo (Colegio del Cuerpo) se refirió al hablar sobre las clases y la relación alumno-maestro. Los integrantes de danzaulima que asistimos a las clases maestras podemos dar testimonio de ello. Las clases maestras fueron muy enriquecedoras e interesantes porque nos permitieron vivir un intercambio cultural a través de la danza.

Finalmente, agradecemos al ICPNA por generar este espacio que año a año aporta muchísimo a la danza local y que permite la participación y disfrute de espectáculos internacionales.

Saxo y Danza

2008-06-28T23:53:00.000-07:00

Aquí un extracto de la performance de Katerina y Alexandra Illescas en la última varieté del CAE - Círculo de Artes Escénicas- de la Universidad de Lima, el pasado 12 de junio.

SE BUSCA UN NUEVO PERÚ

2008-06-03T21:47:00.000-07:00

por Christian Villegas

Cuatro personas echadas hacia un lado del escenario, uno intenta levantarse, el otro no lo deja, la interacción entre ellos es cada vez más violenta, se levantan con dificultad. Al otro lado del escenario, un niño desenreda los nudos de una bandera peruana que puede ser la de cualquier país. Todos quieren llegar, ninguno deja avanzar. Cada paso de uno implica un retroceso del otro. Cada avance de uno implica una lucha con el otro. Pausa. Respiras. La lucha es por dentro.

Para entonces la música ya te ha envuelto: Una muy buena mezcla compuesta de chelo, guitarra, cajón, voces, guapeos, y ritmos criollos que en el fondo son variaciones de temas tradicionales pero deformadas por efectos de sonido que le dan sentido y carga dramática a la obra.

Despiertas, te sientas, te vuelves a echar, te levantas, piensas, te mueves, respiras, te gana la pereza, no importa, igual estás vivo, ¿qué es estar vivo? Trabajar, descansar y darte tus gustos, al parecer de eso se trata la vida, ¿pero qué pasa contigo?

“Así somos todos ustedes” reza el título de este espectáculo de danza-teatro que presentó la agrupación “Se busca – Escena Independiente” bajo la dirección de Pepe Santana, en el Auditorio de la Municipalidad de San Isidro del 29 al 31 de mayo como parte de sus actividades para recaudar fondos en vistas a su próxima participación el V Festival Internacional de Danza Red Serpiente, con sede en la ciudad de Morelia, Michoacán (México).

La obra desarrolla la relación entre los espacios personales y los espacios sociales y nos invita a reflexionar acerca de ciertas actitudes negativas que tomamos algunas veces tanto en nuestro espacio íntimo como cuando interactuamos con los demás, tomando en cuenta nuestra realidad como ciudadanos peruanos.

Caminas y apenas la gente se mira y si se miran lo hacen con indiferencia, cada uno anda en lo suyo. Ya no sabes que pensar ni que sentir. De pronto uno señala al otro y a otro y a otro: es el dedo acusador que echa la culpa sin asumir su propia responsabilidad. ¿Cuántas veces encontré situaciones así? Cuando los bailarines parecen darse la mano para ayudarse, uno de los dos termina en el suelo y el juego se repite interminable como una cadena de revanchas. Al centro aparece el niño observando este panorama que pasa por delante de sus ojos, de pronto saca una bolsa de caramelos, de pronto saca una bolsa de terocal, de pronto la oscuridad es total...

Una de las virtudes de la danza-teatro es la mezcla de códigos tanto a nivel corporal como a nivel gestual y en este sentido es interesante la incorporación de los códigos de barrio y los comportamientos urbanos agresivos que demuestran un trabajo de investigación de parte de los bailarines y del director, así como también la manera como han incorporado los pasos de nuestros bailes típicos a las coreografías, especialmente esos pasos de tondero y marinera que llevan un sello netamente peruano. Todo lo cual se ve reafirmado por la presencia actoral del niño que abre otro plano de significados.

Hay otras imágenes más que se escapan, como la relación de pareja que en esta ocasión interpretaron Melvin Quijada y Jackeline Quino, y también el solo de Verity Vélez de Villa cuyo dedo compulsivo llegó a desesperar a más de un espectador. Interesante la carga sexual que tienen ambas escenas sin llegar a ser tan explícitas. Ambas coreografías merecen una nota aparte.

Al final de la obra, los cuatro bailarines se limpian diversas partes del cuerpo con un pañuelo que es en realidad una banderita del Perú, imagen que me imagino habrá escandalizado a los más tradicionalistas y es que la obra es un cuestionamiento de nuestra llamada "tradición", y de las actitudes que encontramos a diario, imagen muy negativa de lo que somos por cierto, porque no soy de los que creen que así seamos todos nosotros, pero hay gente que sí y les gusta porque han aprendido a crecer de esa manera. En este sentido la obra es un paso importante para desaprender aquellas cosas y darnos cuenta de que no sirven de nada si queremos lograr una vida mejor.

Me llamó la atención que al final del espéctaculo los bailarines no salieran a recibir su aplauso. Como diría el director, era un poco rochoso que después de limpiarse el cuerpo con la bandera peruana salieran a que los aplaudan. A eso le llamo tocar carne: cuantas veces los peruanos terminamos aplaudiendo cosas que en el fondo eran una ofensa para todos nosotros, cuantas veces...

LAS COSAS QUE SALEN DE LA CAJA…

2008-06-03T20:56:00.000-07:00

Acerca de “Box” de Guillermo Castrillón
por Christian Villegas

foto: Yayo Lopez

Cometí el error de querer entender la obra la primera vez que la vi. Quería estar atento a cada movimiento y cada interacción con los elementos planteada por el director entre otras cosas de la puesta en escena como las luces, los textos, la música, el baile... Todo me pareció muy bacán, la obra fluía y estaba bien articulada... y sin embargo qué superficial me resultó esta vista.

Esa noche me acosté como a las 3 y nunca supe porque motivo me desperté a las 7:20 de la mañana con un feeling tremendo en todo el cuerpo, una sensación interior muy intensa sobretodo en el centro de mi pecho. Pensé que era el frío, pero por más que abrazaba mi almohada y me envolvía en las frazadas no dejaba de sentirla. Sí: la obra me había dado mucho más.

Mandé al tacho todo mi análisis y fui a verla por segunda vez. Me alegró saber que aunque mi cabeza estuvo en otra, una parte de mi no dejó de sentir aquel diálogo de emociones. No sé si atraído por este misterio fue que regresé, creo que no. Se trataba de un espectáculo que merecía verse una vez más.

De arranque los textos de Pachi volvieron a sonar en mis oídos, de pronto su voz era silenciada por la música que emergía de esa profundidad que daba pie al movimiento. Porque el movimiento es vida. No recuerdo en que momento me despegué del mundo real. Desperté cuando sentí una luz dándome en los ojos. Una luz proveniente de un espejo, un reflejo de una parte de ellas en cada uno de nosotros, un intento de comunicarnos algo.

¿Que eran esas cajitas? Quizás una parte de su mundo interior desde el cual respiraban, sentían, se emocionaban y en el cual también se escondían. Miedos, inseguridades, dilemas, fantasías... Desde esas imágenes de la niñez que construían un cuento en cada función hasta esas imágenes de la adolescencia que repasan las primeras fiestas y la época colegial. También los chocolates tan ricos que nadie sabe porque solo a algunas engorda. Sí, mejor esconder la cabeza dentro de la caja.

foto: Paul Mayca
Pero ¿para que esconderse? Es interesante el momento en que cada cual sentada sobre su propia caja encara de frente al público, casi al ras de la primera fila, tan solo separada de ella por las luces de los reflectores que impactan en los espejos de las cajas, como si cada una iluminara la escena con su propia luz. Ya no hay donde esconderse, a veces incluso no tienen nada que decir, tan solo miran al público buscando una complicidad con cada uno de sus mundos, buscando también el contacto entre ellas que van por el mismo camino. Una manera de decir: esto es lo que somos, esto es lo que sentimos, les guste o no, estén conmigo o no, eso no importa.

Hay un momento bien intenso cuando las cinco bailarinas interactúan en el centro apoyándose sobre sus cajas, los movimientos están cargados de riesgo, sin las otras, la del centro posiblemente caería, la que habla está aprendiendo, las demás son su apoyo, luego la del centro queda sola, las otras cuatro están ahí a escasa distancia paradas sobre su propia caja, pero la del centro no las ve porque la oscuridad las tapa. Son muchas las cosas que se sienten en ese momento viéndola hablar llena de miedo. Cuando las demás acuden dejando su propia caja para treparse a la de ella, la imagen se transforma en una vorágine de voces que se multiplican hasta estallar.

Se que hay cosas que se me están escapando, como la coreografía inicial que cada una hace con su caja por separado o aquel momento en que cada bailarina sentada sobre su cajita observa su vientre mientras Pachi camina en primer plano, o aquella torre de cajas que construye Cristina mientras las otras bailan, cuantas cosas sentirán en ese momento, cuántas cosas pensarán, cuántas cosas no comprenderé como hombre porque estoy seguro que han dicho mucho más cosas de las que aquí estoy apuntando.

foto: Yayo Lopez

Como decía Pachi te queda un instante, un pequeño instante que te marca para toda la vida, una imagen, quizás un simple movimiento, y el proceso es tan largo para tan pocas funciones que a veces uno no sabe lo que deja en los demás, uno solo abre la cajita, y las cosas salen…

DIA INTERNACIONAL DE LA DANZA 2008

2008-05-18T16:21:00.000-07:00

D'Art
En 1982, el Comité Internacional de la Danza del Instituto Internacional de Teatro (ITI Unesco) fundó el Día Internacional de la Danza, para ser celebrado el 29 de abril de cada año. La fecha conmemora el cumpleaños de Jean-Georges Noverre, quien nació en 1727 y fue un gran renovador de la danza.

Rock Jamber's

Todos los años, el mensaje de una reconocida personalidad de la danza es enviado alrededor del mundo. La intención es reunir a todos los géneros dancísticos para celebrar su carácter universal, superando las barreras políticas, culturales y étnicas y uniendo al mundo en aras de la paz y la amistad con un lenguaje común: La danza no es un simple movimiento, es la conexión del espíritu y el cuerpo.

A. Colmenares y C. Melendez/ Kinesfera

“La danza es un lenguaje universal, es emisaria para un mundo pacífico, para la igualdad, tolerancia y compasión. Ella nos enseña sensibilidad, conciencia y a tomar atención al momento. Es una manifestación de estar vivo… ubica el alma, le da al cuerpo una dimensión espiritual”.

Sasha Waltz, bailarina y coreógrafa alemana

Danza al Aire Libre, Taller UL

La Universidad de Lima, en el marco de estas celebraciones, organizó variadas presentaciones con los participación de los integrantes del taller de danza contemporánea así como de destacados bailarines y corógrafos independientes del medio.

El 28 de abril, a las 12 m. y 5 p.m. se realizó Danza al Aire Libre, en donde los alumnos del taller, bajo la dirección de la Carola Robles, tomaron el parque central y las piletas para bailar entre la gente y con el agua.

Araña, baila Alexandra Illescas
Taller UL
El 30 de abril a las 7:30 p.m. se llevo a cabo una función especial en el Auditorio Central de la Universidad, con la participación de: Kinesfera - Michel Tarazona, D'Art - Karlo Luyo, Juan Salas del Ballet de San Marcos - Luis Valdivia, Rock Jamber's - Max del Solar, Cecilia Borasino - Marco Miguel Ravines, Cynthia Melendez - Alexandra Colmenares y la Universidad de Lima - Carola Robles. Muchas gracias por su participacion!

DANZA AL AIRE LIBRE

2008-05-16T13:40:00.000-07:00

foto: Mariana Lau

Crónica Cultural
por

Luis Cisneros

Saltimbanquis en la U

Celebrando el Día Internacional de la Danza, el Taller de Danza Contemporánea de la Universidad de Lima ofreció una muestra post moderna al aire libre.

"Lunes otra vez, sobre la ciudad
la gente que ves vive en soledad"
Sui Géneris

Todavía días de verano en la De Lima. La gente transita alrededor de esa estación de tren que es la Universidad, donde aprendemos, crecemos y esperamos con angustia el paso del tiempo. Los universitarios caminan alrededor del jardín, se sientan en los cubículos, que fungen de pequeños vagones rojos, y cuelgan los cuadernos por un rato. Sale el sol y el campus vuelve a recuperar la magia.

"El mundo es la calle de la infancia" ha escrito Juan José Millás. Eso es precisamente de lo que se trata el arte, de expresar hacia afuera y hacia adentro lo que sentimos. Salir a bailar a la calle como un niño desvergonzado. Vivir a fondo los momentos. Apreciar cada instante como si fuera el mundo entero. Ese es el encanto que tiene para mi el arte, que te hace volar, te abre los ojos, estimula tu cerebro y lo llena de efectos espaciales. Te hace tomar conciencia de tu piel, tus manos, tus palabras, tus dibujos, tus pinturas, tus imágenes; tus huesos. El arte nos mueve un montón las emociones, los recuerdos, nos permite ser libres y reales.

foto: Siara Horna

El cuerpo es como el agua
la danza, un pez que nada en el corazón
un pez que se divierte
la danza es poesía
es un poema escrito con los huesos y el alma

28 de Abril. A las 12 y a las 5pm los jóvenes del Taller de Danza Contemporánea salieron a la calle y bailaron. Nos ofrecieron una muestra diferente bajo la dirección de Carola Robles, bailarina y egresada de la Facultad de Comunicación, esa vieja fábrica de artistas que tiene un cine, dos ascensores y una rampa. Fue una obra fugaz pero conmovedora, que a lo largo de pequeños recorridos acuáticos provocaron diferentes tipos de miradas y detuvieron el tránsito y a los transeúntes. La puesta en escena llamó a la reflexión a través de un juego con máscaras y espejos, que nos llevó hacia una nueva comprensión de la identidad y al uso de la naturaleza como escenario.

Los bailarines disfrazados intervinieron en la estación de tren como osos hormigueros de máscaras blancas, bucearon a través del espacio y las piletas, jugaron con las paredes de cartón, saltaron hacia el pasto y formaron un círculo celeste en el corazón del campus.

foto: Mariana Lau

Silencios de fantasma. Miradas que congelan. Radiohead musicalizó esta puesta y en pleno crescendo el agua estalló como un rayo que sale de la tierra. La danza de imágenes nos habló de ese río de aguas rápidas que es la vida a través de secuencias cortas, minimalistas. Los artistas de azul se quitaron las máscaras, saltaron como grillos de azotea y se derritieron en forma de giros, saltos y traslados. Danzaron en círculo alrededor del agua y se reflejaron en ella como efímeros pasajeros del tiempo. Espejos blancos de abril.

foto: Natalia Thornberry
La música creó buen ambiente para este cortometraje unplugged de danza contemporánea. El público crecía como espuma desde la cabaña. Tenían en la cara sonrisas y gestos de sorpresa. El tráfico se detuvo en la De Lima y los bailarines se hicieron más grandes, corrieron y volaron hacia las palmeras, acariciaron el agua y se dieron volantines y bofetadas. Los saltimbanquis se divierten entre imágenes congeladas, recorridos, bailes y piruetas.

Bailan:

Paul Mayca, Diana Díaz Moreno, Luís Cisneros, Melina Soto,
Rocío Pacheco, Diego Gargurevich, Isabel Mascaró,
Mayra Ortega y Christian Villegas

Fue un día sin igual, porque un lunes con dos funciones no es un lunes cualquiera. El sol había anunciado que el día de la danza llegaría y los osos hormigueros celebraron en el aire, le cantaron con alegría a la vida, al agua y al baile.
En muchos países las personas celebraron el día internacional de la danza, fecha que pasará al baúl de los recuerdos. Ese día el mundo bailó y los saltimbanquis volvieron a danzar en la tierra.