domingo, 28 de junio de 2009

LA CONVIVENCIA INTERIOR QUE HAY EN TI

Acerca de "Sara" y "Mujeres que habitan en mi" de Guillermo Castrillón

Por Christian Villegas


Continuando con su búsqueda de la comprensión del mundo femenino y la exploración y desarrollo del lenguaje de la performance, Guillermo Castrillón reunió a Jimena Lindo, Mónica Silva y Lita Baluarte para presentarnos "Mujeres que habitan en mi" en la Alianza Francesa de Miraflores el pasado mes de abril, y "Sara", una performance más cercana al teatro, en la Galería Germán Krüger Espantoso del ICPNA de Miraflores, con la participación de Kareen Spano.

"Mujeres que habitan en mi" es una creación colectiva cargada de momentos intensos como cuando Mónica maltrata su cuerpo porque el jean ya no le queda o cuando Jimena se desahoga comiendo un pastel hasta atragantarse o ese sentimiento de culpa que subyace en experiencias traumáticas que Lita nunca termina de contar, testimonio de los fantasmas que habitan en ellas, junto con sus fantasías, temores, deseos y búsquedas, reflejo de su lucha por aceptarse como son, en medio de una sociedad que les dicta desde pequeñas como deberían ser.

Por su parte, "Sara" es la primera parte de un trabajo en conjunto basado en la historia de Sarah Hellen, una mujer del pueblo de Blackburn, Inglaterra, que fue llevada a la horca por brujería un 9 de junio de 1913 y cuyo cuerpo fue enterrado en Pisco donde se encuentra hasta hoy. En 1993, el gobierno de Fujimori utilizó el mito como una cortina de humo de sus maniobras oscuras, transformándola en un vampiro. El mito creció cuando el terremoto del 2007 dejó el cementerio destruido manteniendo intacta su tumba.

Kareen desviste al mito para rescatar a la mujer marginada y condenada por la sociedad patriarcal, misógina y machista. A su vez, Kareen encuentra en Sarah a esa otra mujer que habita en ella y utiliza al personaje como excusa para expresar lo que siente como actriz y lo que significa el teatro para ella, expresando también su sentir respecto a la sociedad en la que le ha tocado vivir.


La caída de la cuarta pared

Algo parecido sucede en "Mujeres que habitan en mi", donde el autor hace alusión a las mujeres que habitan en él, que es también un reflejo de lo que Jimena, Lita y Mónica representan en su vida. Ya saben que todos tenemos un lado masculino y un lado femenino dentro, y en una sociedad machista como la nuestra hay una pared invisible que divide ambos lados la cual les impide establecer el diálogo.

Castrillón se vale del lenguaje de la performance para tumbar esa pared que es también un reflejo de la pared invisible que divide al escenario del público. Ya no ves a través de una ventana transparente, la persona que habla te invita a estar dentro, a decirte que es también parte de ti, porque las vivencias que narra son comunes a todos, solo que algunos las ven mientras a otros no les importa, quizás porque no es el momento, y sin embargo algo en el interior del público reacciona y el público mismo no sabe qué es.


Ese bendito chip que transforma todo

Uno de los momentos más conmovedores de "Mujeres que habitan en mi" es el monólogo de Jimena Lindo acerca de la historia del clavo que saca a otro clavo, me sentí identificado con ese maldito chip que comete el error de no saber amar y está con una y con otra para sacarse el clavo pero cuando llega la persona indicada para ello, el maldito chip echa todo a perder. Jamás entenderé porque el público se reía tanto mientras Jimena gritaba llorando.

Cierto que algunas imágenes eran graciosas (como cuando Jimena cuenta la historia de la princesa en su castillo, el príncipe azul y la bruja), pero es también virtud de ellas el transformar sus rollos personales en una propuesta escénica conjunta y ser valientes para reírse de sí mismas y asumirse tal como son.

Tres mujeres, tres artistas, tres fuerzas, cuyos testimonios eran soltados con tal desfachatez y a la vez tanta sinceridad que generaba toda clase de respuestas en el público.

No hay imagen más poética que resuma la obra como ver caer el agua sobre Mónica, Lita y Jimena después de haberse sumergido tanto dentro del fango que hay en sí mismas.


Volviendo a Sara

En "Sara", Castrillón va más allá, ya que somos introducidos en un sótano en cuya esquina yace el cuerpo desnudo de Kareen rodeado de velas encendidas y otros elementos que le dan un alto contenido poético, la imagen era tan impactante que el público no tardó en guardar silencio. De pronto Kareen se levanta y el eco de su voz retumba en la galería para contarnos su historia, tanto la suya, como la de Sara y la de esa otra mujer que se funde en ambas más allá de la creación escénica.

Si hay algo por lo cual felicitar a Castrillón es por la calidad artística de ambas obras así como por el delicado cuidado de cada elemento. Catártico tanto para las actrices como para el público. Aplausos totales.

lunes, 15 de junio de 2009

Artista del mes: Pachi Valle Riestra


El Cuerpo en Esencia
Por Diego Gargurevich L.

Este año en el festival Danza Nueva, Pachi Valle Riestra y Cuatro Costillas Flotantes deciden trabajar la herramienta principal de la danza, el cuerpo, mostrándola como tal… una maquina maravillosa que cada uno de nosotros posee.

Se puede decir que Pachi ha bailado desde que tiene uso de razón, y también podemos decir que es una de las grandes exponentes de la danza contemporánea en nuestro país, una importante bailarina, coreógrafa, directora y profesora de 40 años.

Con su formación en clásico, inició su vida profesional como parte del elenco del Ballet Municipal y como miembro del grupo Integro; a partir de ahí tomó la decisión que cambiaría su vida por completo, dedicarse a la danza contemporánea. Viajó a NY y obtuvo su bachillerato en Danza (BFA) de S.U.N.Y. Purchase – Nueva York. Ya graduada, empieza a trabajar con diferentes coreógrafos independientes de la zona y junto a tres coreógrafas fundó el grupo BIRLIBIRLOQUE.

En 1995 decide regresar a su tierra natal. Junto a dos amigas (Mirella Carbone y Rossana Peñaloza) crean Pata de Cabra, centro de danza que colaboró con la formación de muchos bailarines peruanos, incluyendo a muchos con los que trabaja. Ha continuado su trabajo como profesora y desde el 2000, enseña en la escuela Andanzas de la Universidad Católica.

ensayo Corpus Breve/ Fotos: Diego Gargurevich
Ha presentado sus trabajos en diferentes países y ha bailado para coreógrafos internacionales en Hong Kong, México, Alemania, entre otros, así como también ha trabajado con diversos directores y coreógrafos peruanos. El 2005 crea junto a Cori Cruz, Carola Robles y Karine Aguirre el grupo cuatro costillas flotantes.

En el 2009, después de esta travesía por su carrera artística vemos por qué es una de esas artistas que llegan a dominar y a hacer suyo el escenario cuando están en él. Su cuerpo esbelto y compacto se mueve y se desplaza de una manera natural por el espacio, sus fuertes extremidades se mueven con una delicadeza y sensualidad inimaginable, la expresión honesta y fuerte del rostro nos llena de sensaciones al verla, teniendo un increíble control que demuestra hasta cuando está absolutamente quieta.


Con su nuevo proyecto CORPUS BREVE, Pachi decide no estar en el escenario y enfocarse en dirigir esta propuesta que ha rondado por su cabeza desde hace 2 años. Deja de lado todo tema que se ha ido tocando en la danza… no busca comunicar ideas, ni emociones de manera lírica o abstracta sino que presenta un tema concreto, escoge el cuerpo en movimiento para que hable del cuerpo mismo.


Creando una propuesta innovadora, basándose en algo súper estructurado como nuestro cuerpo, llega a crear todo un mundo donde existe la comedia, el drama y situaciones imaginarias pero tangibles; al fin y al cabo se habla del cuerpo humano, algo que por mas diferente que sea en cada uno de nosotros, todas las personas lo tenemos en común.

Y lo más importante, este proyecto partió de ‘esta fascinación e interés por el cuerpo’ siendo una creación honesta que parte de ella pero nos involucra a todos.

Claro está que este montaje será un gran homenaje al cuerpo humano.



CORPU BREVE
Festival Danza Nueva 2009
18, 19 y 20 de Junio
7:30pm – Auditorio ICPNA de Miraflores (Angamos Oeste 120)
Dirección: Pachi Valle Riestra
Intérpretes: Denise Arregui, Cori Cruz, Miquel de la Rocha, Carola Robles, Miguel Angel Robles y Mónica Silva.
Producción: Walter Vásquez Díaz.
Luces: Rodrigo Benza.


* Las entradas ya están a la venta en el ICPNA.

martes, 9 de junio de 2009

In-SER-tidumbre: ¿Cruzas o regresas?


Por Christian Villegas

Este miércoles 10 y jueves 11 de junio a las 8 de la noche, se presenta In-SER-tidumbre en la Casa Yuyachkani, el nuevo trabajo de Cristina Velarde donde bailan, además de ella, Lucía Bacigalupo, Fernando Escudero, Augusto Montero y Mónica Vergara.

La incertidumbre es la falta de un conocimiento claro y seguro sobre algo, donde la mente ya no tiene algo conocible donde adherirse sin temor a errar. Todos la enfrentamos alguna vez en la vida cuando nos hallamos ante una persona o una situación que puede ser el camino hacia la realización de nuestros sueños.

In-SER-tidumbre es una invitación a explorar aquello que ocurre dentro de ti en la búsqueda de una certeza que te permita continuar con tu vida. La directora parte de sensaciones, nacidas de experiencias cotidianas, para llegar a una interpretación existencial de la vida y de las relaciones humanas en los tiempos actuales.

Uno de los temas claves de esta obra es la incomunicación, donde a veces hablas de una cosa que el otro no entiende o interpretas algo bajo tus propios códigos sin considerar que el otro puede haberlo entendido de distinta manera, donde nunca llegas a decir lo que quieres decir porque la comunicación se corta, donde en medio de la soledad solo tienes la televisión para darte una respuesta que está en una onda distinta a la tuya. Te enfrentas al desafío de atravesar una puerta, te enfrentas al desafío de enfrentar aquello que no sabes si los demás entenderán. Preguntas como esta se plantea todo artista y los bailarines de esta pieza no son ajenos a ella.

In-SER-tidumbre como tal, es una obra que juega mucho con el ritmo y está basada en una serie de cuadros insertos que se superponen unos con otros donde no hay una historia fija ni un personaje principal. Cada movimiento es una búsqueda y en esa búsqueda, hay encuentros y desencuentros consigo mismo y con los demás: preguntas que son respondidas con algo que no esperabas, respuestas que a veces no llegan, caminos que se unen y se separan…

foto: Paul Mayca

Miras hacia un cielo errante tratando de alcanzar aquello que tanto anhelas. Y aunque no lo consigas todavía, sabes que cada paso es parte del aprendizaje y que cada experiencia esconde un mensaje para ti o para aquel que recoja ese barco de papel ahora que lanzas al río y que algún día servirá para seguir intentando alcanzar ese sueño.

Esta obra es como esos barcos de papel, simbolizado en los tubos de plástico que representan además un canal de comunicación entre los seres humanos, tan difíciles de entenderse unos con otros porque nunca se han atrevido a salir de si mismos. ¿Seremos capaces de desafiar lo ya conocido que hay en nosotros o nos dejaremos abrumar por la rutina para refugiarnos en la soledad?

Esta obra no da respuesta a esa pregunta. Esta obra muestra solo un camino. La clave está en atravesar esa puerta y enfrentar lo que hay dentro de ti. De modo que… ¿cruzas o regresas?

domingo, 7 de junio de 2009

De viaje por Cusco - La Fiesta no termina en Paucartampu

Por Luis Cisneros

El Sol comienza a despertar mientras cuatro personajes caminan lentamente para ser bendecidos con su luz. Una atmósfera disfrazada de amanecer nos traslada hacia la famosa fiesta de Paucartambo, donde cusqueños y viajeros de todas partes se reúnen a mediados de Julio para acompañar las coloridas celebraciones en honor a la Virgen del Carmen. Tras breves instantes de contemplación la música irrumpe en el escenario y los artistas comienzan a desplazarse entre danzas típicas y mágicos actos de acrobacia. Inspirada en las maravillas de este encuentro andino y religioso, esta obra de teatro- circo llega para sorprendernos a partir de una poderosa fusión de arte y movimiento.


Paukartampu, el último hit del grupo Kusikay, es, además de una obra interesante y auténtica, una especia de viaje futurista, ya que desde su estreno en Abril la gente ha comenzado a pasarse la voz para viajar en Julio de todas maneras y ser parte de esta gran celebración en vivo y en directo. A partir de un performance dinámico, ágil y lleno de bellas acrobacias, el espectáculo logra impactar y entretener al público, el cual también participa de las locuras de los Kusikay. A medida que la historia avanza los personajes circenses van contándonos - como en un cuento surrealista - los pormenores de una de las fiestas más increíbles en el ombligo del mundo.

La obra reúne personajes del campo, bailarines cusqueños envueltos en trajes típicos y vestuarios post modernos. Escenas que van acercándonos a una de las mejores celebraciones del Cusco, donde viajeros de todo el mundo y gente cusqueña de corazón asisten a este espectáculo místico, de magia, rituales y prójimos que danzan alrededor de la luna y el sol.
La historia de esta singular fiesta es narrada como en una novela breve, a través de situaciones cómicas, ágiles y contemplativas. La Virgen del Carmen es venerada entre acrobacias azules, danzas de fuego, malabares, bailes y una atmósfera llena de bohemia. Acompañados de un fotógrafo juguetón, un panadero enamorado, una ñusta seductora y un malabarista que vence su adicción alcohólica, el público va atravesando diversos espacios en busca de la esencia del mítico pueblo de Paucartambo, un festín que nadie de los que vea esta obra querrá perdérselo.

Los acróbatas fantasma, los cholitos que pelean por doquier, la pareja de esposos que venden pan al horno, las ruinas de piedra, los primeros rayos el sol, las estrellas que sobrevuelan el pueblo, el turista maniático de la fotografía y el pop corn, el contacto con la naturaleza, los animales de la sierra, la fuerza de este mundo mestizo, las máscaras rituales, los indios y los saltos mortales, la danza del fuego, el malabarista bailarín que se sobrepone a la resaca de varios días en tragos tras la desaparición de Margarita; las llamas gigantes (tiernos animales de gran valor simbólico), los toreros, las bailarinas de blanco y el brillo fugaz de los actos circenses; todos son parte de esta sensacional puesta en escena en las inmediaciones del Teatro Kusikay. Una obra que a través del juego nos enseña a estar alegres y nos traslada al corazón de una fiesta realmente impresionante.

César Aedo nos presenta un espectáculo inspirado en una historia particularmente cusqueña, llena de misticismo, enriquecida por la iluminación, el juego de las sombras y las proyecciones visuales que colorean el espacio. La creación musical, la ausencia de diálogos y el constante juego del movimiento son parte del imaginario Paukartampu, donde la imaginación, las interacciones con el público y un manejo rítmico del sentido del humor permite que la narración fluya, nos atrape y la gente termine contenta, sonriendo y algunos hasta bailando en medio del escenario. De esta manera una de las celebraciones más alucinantes de Cusco es retratada y llevada al escenario con magia, elegancia y brillantes actos poéticos, teatrales, circenses, cusqueños.

Ficha técnica:
- La Obra se presenta de Lunes a Sábado a las 7:30pm en el Teatro Kusikay, Calle Unión 117, Cusco, Perú.
- Precio promocional para cusqueños: S/.20 adultos y S/. 10 niños menores de 10 años
- Visita: www.Kusikay.com
- Contactos: info@kusikay.com / Teléfono: 51 84 255414
- Chaska fue la obra que catapultó al Grupo artístico Kusikay a la movida cultural cusqueña hace más de un año. Es así como empezaron a recrear, gracias a la magia del teatro, tradiciones andinas de gran valor simbólico, lo que les está permitiendo ser cada vez más conocidos y continuar difundiendo la riqueza de nuestras historias.
- Paukartampu es la obra que le da vida a esta segunda temporada, que va hasta el 18 de noviembre de 2009.


Cita textual de César Aedo:
“Como dramaturgo siento que Paukartampu es un homenaje a esta tierra resaltando las pasiones y el amor con el que los cusqueños viven su religiosidad y sus fiestas.”


Gracias al equipo Kusikay por las fotos brindadas.

SENSE FI / CONQUASSABIT: EN MEDIO Y DENTRO DEL HURACÁN


Por Christian Villegas

Para conmemorar los 100 años del Teatro Segura, la compañía española de danza Gelabert Azzopardi, dirigida por Cesc Gelabert y Lydia Azzopardi, presentó la noche del 2 de junio su más reciente trabajo titulado "Sense Fi / Conquassabit".

La obra es un reflejo de la actitud interna del ser humano frente al ritmo de vida externo que le ha tocado vivir en los tiempos actuales, y está formada por dos coreografías creadas para diez bailarines, entre los cuales se encuentra el propio Gelabert quien participa de ambas piezas.

Sense Fi / Conquassabit, se estrenó en abril del presente año en el Teatre Lliure de Barcelona. Esta presentación forma parte de una gira que los lleva hacia Washington para terminar en el Festival de Edimburgo en Escocia.


Sense Fi


Sense Fi es un viaje hacia el mundo interior de Cesc Gelabert y en este sentido es una pieza para ser mirada de cerca. Sense Fi está cargada de primeros planos y de sensaciones que reflejan diversos estados de la persona, desde el instante más sombrío hasta la exaltación más extrema, donde la espera de algo se hace tan evidente que es necesaria una salida.

Como en los sueños, los bailarines se convierten en proyecciones de la imaginación del artista, creando una secuencia de cuadros, a veces paradójica (como cuando la mente mezcla situaciones tratando de jugar con las soluciones posibles al instante que se vive), que son un reflejo de lo que pasa en el ser humano cuando se halla frente a un momento incierto de su vida, donde por más que busque una salida solo le queda esperar, y entonces surgen las dudas y los miedos y la inevitable sensación de estar conciente de ellos y de no saber que sucederá o como cambiarán las cosas a partir de allí: una espera orientada hacia un futuro que siempre está en movimiento, al igual que la vida que es cambio constante.

Esta coreografía cuenta con una partitura original de Pascal Comelade, que contrapone en dos planos distintos la fluidez de la vida (magistral el profundo sonido del cello) y los ruidos externos provenientes de silbatos, cornetas de juguete y otros instrumentos propios de la música de Comelade, que por momentos incomodan y distorsionan esa fluidez, pero que sirven el artista para transformar la situación y sobreponerse al momento que vive.


Conquassabit


Conquassabit es una palabra latina cuyo sentido original implica convulsión, sacudida y aceleración. El título proviene del Salmo 110 de un Oratorio de Haendel y la coreografía es un homenaje por los 250 años de su muerte.

Más que una pieza personal, nos enfrentamos a un paisaje urbano donde todo está conmocionado. Cesc Gelabert se las arregla para crear él mismo un personaje con un bastón dorado en la mano que marca la pauta de un pulso creciente el cual transita entre la aceleración y la quietud, que por momentos absorbe y por momentos expulsa, cual huracán que arrastra a los bailarines y los envuelve en un ritmo cada vez más dramático.

Conquassabit mezcla fragmentos vocales e instrumentales de Haendel cuyo tempo remite al ritmo de vida actual donde lo ideal es estar en el centro del huracán, un momento de pausa en medio de la devastación donde todo está tranquilo. De hecho, la búsqueda del artista en toda la obra apunta a encontrar un lugar interior donde solo hay paz en medio de la agitación que nos rodea. En palabras del propio Gelabert: "enfrentar el Conquassabit con la actitud del Sense fi".

Foto: Augusto Carhuayo

Después del huracán

Un detalle que notamos es que a diferencia de la pieza original, faltaron varios elementos de escenografía, no sabemos si por costos de traslado, por retenciones en aduana, porque no se adaptaron al espacio o porque sencillamente quisieron presentarlo así. Por ejemplo, en Sense Fi hay una escena con grandes cubos de hielo iluminados que remiten a la memoria y al dolor, como si fueran fragmentos de tiempo congelados que el personaje guarda dentro de sí. Estos y otros elementos pueden apreciarse en el reportaje que hace el programa La Mandrágora de la TVE, el cual lo pueden encontrar en You Tube.

Sense Fi es otra pieza con sus elementos completos, sin ellos, el espacio queda demasiado grande. No pasa lo mismo en Conquassabit donde la fuerza de la coreografía es tal que la energía de los bailarines desborda el escenario. Imagino que Sense Fi está hecha para presentarse en un espacio más reducido mientras que si presentamos Conquassabit en un espacio así, prácticamente reventaría.

Con todo, esta agrupación se merece un gran aplauso, no solo por la gran calidad de sus bailarines sino también por el trabajo que significa el presentar una pieza de este nivel. Nuestro agradecimiento especial al AECID y a todos los que hicieron posible la presencia de esta prestigiosa compañía en nuestra ciudad, y también por permitirnos verlos de manera gratuita y en un espacio como el Teatro Segura: un gran regalo para aquellos que aman la danza contemporánea en el Perú.